Título original:City Lights Director:Charles Chaplin Guión:Charles Chaplin País:EE.UU. Año: 1931 Género:Comedia Reparto:Charles Chaplin, Virginia Cherill, Florence Lee, Harry Myers, Allan Garcia, Hank Mann
El vagabundo Charlot (Charles Chaplin) aparece durmiendo en el interior de una escultura tras su inauguración. Con un descenso peculiar y ante la mirada atónita de los presentes se da pronto a la fuga, atravesando el interior de los coches para cruzar la calle. Una vendedora de flores (Virginia Cherill) le ofrece una, a lo que Charlot accede, pero apenas tiene dinero. Se da cuenta que es ciega y se enamora instantáneamente de ella.
Por la noche, se topa con un suicida (Harry Myers), al que ayuda a no cometer tal empeño. Agradecido al final, decide invitarlo a su casa para secarse y tomar unas copas. Resulta ser un hombre rico el cual olvida todas sus promesas al despertar tras su resaca. Busca un trabajo para poder mantener a su amada, pero le dura muy poco. Desesperado por intentar pagar el alquiler de 22$ de la muchacha para evitar su deshaucio, busca dinero esa noche, participando incluso en un combate de boxeo, en el que perderá y con el contratiempo añadido de sustituir en último momento a su contrincante con el que había pactado la mitad del dinero. Afortunadamente se reencuentra con su amigo rico, que de nuevo le recuerda afectuosamente y le entrega el dinero suficiente para la operación de la chica. Pero unos ladrones al acecho en el interior de su casa, golpean al millonario, no recordando nada y Charlot escapa antes de que le detengan a él. Con el tiempo justo entrega el dinero a su amiga para saldar el alquiler y poder efectuar la operación de ojos que además le solucionará muchos problemas de salud. Y tras esto Charlot será detenido pasando unos meses en prisión. A su regreso, paseando se reencontrará con su amada, ya recuperada de la vista. Una escena enternecedora dónde el tacto y el recuerdo, hará que ella “vea de verdad”.
Una comedia romántica, un vagabundo tierno, simpático y cercano con las clases bajas, rodada en los años 30 de una ciudad americana tras el crack del 29. Se dice que el guión está basado en la canción de la violetera de Jose Padilla, con un guiño, porque la canción principal de la película es ésta. Siendo su quinto largometraje, hizo cine mudo cuando el sonoro ya estaba completamente establecido.
1. ...And the Gods Made Love - 2. Have You Ever Been (To Electric Ladyland) - 3. Crosstown Traffic - 4. Voodoo Chile - 5. Little Miss Strange - 6. Long Hot Summer Night - 7. Come On (Part 1) - 8. Gypsy Eyes - 9. Burning of the Midnight Lamp - 10. Rainy Day, Dream Away - 11. 1983... (A Merman I Should Turn To Be) - 12. Moon, Turn The Tides...Gently Gently Away - 13. Still Raining, Still Dreaming - 14. House Burning Down - 15. All Along The Watchtower - 16. Voodoo Child (Slight Return)
Jimi Hendrix: guitarra, voz, piano, bajo, clavicordio eléctrico y percusión
Noel Redding: bajo, guitarra rítmica y voz
Mitch Mitchell: batería
Tengo un diabólico y apreciado amigo que me contó que las damas que aparecieron como Dios las trajo al mundo en la portada del “ELECTRIC LADYLAND” posaron muy emporradas para la mítica fotografía. Tengo otro perverso y apreciado amigo que me contó que el falo más grande de la historia del rock perteneció al guitarrista más grande parido y por parir, un tal JIMI HENDRIX.
Doble portada censurada
Y a mí, pobre mortal que me encanta escuchar rumores varios y semi-leyendas sobre damas desnudas, guitarras, porros y falos, se me desborda la imaginación en un espejismo de gran lecho con negro de pelo afro, bigote maquiavélico y miembro de descomunales dimensiones, rodeado de lindas damas de buen ver donde circulan en todas direcciones sustancias malévolas procedentes del cannabis.
“Electric ladyland” es una potente Fender Stratocaster que supura sexo por doquier, en abundancia, sin límites, donde el placer rebosa por tanta consecutiva eyaculación. Cada acorde, cada riff, cada solo de guitarra está labrado a golpe de jadeos que escupen excitantes convulsiones de lujuria incontenida. Fue el tercer álbum publicado por el gran maestro y el último en compañía de su banda, la Jimi Hendrix Experience.
Portada no censurada
El disco se abre con una especie de introducción psicodélica titulada “… And the gods made love”, la cual deja intuir que este trabajo no será muy normal. Esa intro da paso a “Have You Ever Been (To Electric Ladyland)”, un blues-rock bastante dócil con el que nos lanzamos a la parte del centro de la tierra donde se encuentra el poblado de las mujeres eléctricas. A continuación el acelerador es pisado a fondo por ansia de llegar al clímax y sitúa esta travesía a 140 kms. por hora en “Crosstown traffic”, para que después se produzca la mutación del gran maestro en un dios alado que practica la primera experiencia electro-sexual del disco durante los 15 minutos de “Voodoo chile”. Se abre entonces un breve respiro psicoterapéutico en este viaje con “Little miss strange”, donde la composición de Noel Redding permite el lucimiento más triunfal del más hábil de los guitarristas. Entre sudores asfixiantes con “Long hot summer night”, una bocanada perturbadora de aire eléctrico convierte un clásico de New Orleans como “Come on (let the good times roll)” de Earl King en una pieza maestra para la gloria de la Humanidad. El camino es tan tortuoso que entre un riff salvaje y una melodía apasionada aparecen unos hipnóticos ojos de gitana (“Gypsy eyes”), acaso una especie de complejo de Antígona por el recuerdo de una madre en el camino de búsqueda del amor.
Contraportada no censurada
El utópico amor no aparece y la soledad se contrarresta con alucinógenos y “Burning of the midnight lamp”, probablemente el tema mas extraño e inquietante de este álbum. Hendrix imponía sus dictámenes a base de tensiones y disputas con los miembros de su banda y el resto de músicos de estudio. Agresividad, barbitúricos y talento se daban la mano. Entre dudas existenciales y crisis de personalidad, había que improvisar algo diferente, y “Rainy day, dream away” permitía continuar la aventura con unos exhuberantes guiños de jazz.
Acto seguido, entre ramalazos de un precursor rock progresivo, el gran maestro se transforma esta vez en un dios de las profundidades marinas que respira bajo el agua y que hace el amor con sirenas en la arena de las playas más próximas, lugar donde la lírica y la intensidad musical de “1983... (A Merman I Should Turn To Be)" adquieren una homogeneidad espectacular. Las suaves olas y la luz de la luna se convierten en dignos acompañantes de unos ojos cerrados y unas bocas que aspiran todo el humo hasta llegar a lo más hondo de los pulmones. Es entonces cuando el contacto de los sentidos supera las metódicas leyes terrenales en “Moon, Turn The Tides...Gently Gently Away”. Amplificadores al máximo, no cesa de llover, pedales wah wah, guitarras parlantes, distorsión virtuosa y un inevitable orgasmo en “Still raining, still dreaming”. El señor de pelo afro y bigote maquiavélico explota en júbilo y reivindica sus orígenes. Es negro, que suene “House burning down”, que se joda el mundo y que se tapen los oídos quien no quiera escuchar. Desde lo más alto de la atalaya se sacude el escroto y procede a dar a luz una extraordinaria versión del “All along the watchtower” dylaniano, lectura que para muchos (entre los que me encuentro) supera con creces la original, y que incluso es reverenciada desde abundantes sectores como el mejor cover de la historia del rock. El gran maestro ha llegado al poblado de las mujeres eléctricas, enfunda sus alas y se despide con otra experiencia electro-sexual. Es la hora de “Voodoo child”, más ligera, con técnicas tántricas, para el mayor placer de los sentidos.
Jimi Hendrix había creado el blues de los nuevos tiempos, y por primera vez una guitarra eléctrica se había convertido en la indiscutible estrella del rock.
Posdata: Este texto está dedicado a mis dos amigos de la tierra del Camarón, dos hijos del rock&roll como la copa de un pino, y que desde el sur de Europa consiguen frecuentemente revitalizar mis atrofiadas neuronas.
1. No One Loves Me & Neither Do I 2. Mind Eraser,No Chaser 3. New Fang 4. Dead End Friends 5.Elephants 6. Scumbag Blues 7. Bandoliers 8. Reptiles 9. Interlude With Ludes 10. Warsaw Or The First Breath You Take After You Give Up 11. Caligulove 12. Gunman 13. Spinning in Daffodils
Dave Grohl, bateria Joshua Homme, guitarra y voz John Paul Jones, bajo
Ingredientes: a 200 gramos de Led Zeppelin en rebanadas pequeñas se le añade unas gotas de Foo Fighters, se deja macerar durante un par de horas y a continuación se reboza con una fina, pero agradable capa de Queens Of The Stone Age. Tras estos simples pasos se vierte en un molde redondo a ser posible con un agujero en medio, se introduce en el horno y se calienta a unas 2.000 r.p.m. durante una hora aproximadamente. ¿Qué es lo qué obtenemos?. Un delicioso primer plato con pocas calorias y mucho rock llamado "Them Crooked Vultures" o "Sus buitres encorvados".
Señores y Señoras, ante ustedes la que ya se ha catalogado como una de las mejores bandas de la historia. La verdad es que no se si será para tanto, el tiempo nos lo dirá, lo que si que está claro es que con esa mezcla de las tres bandas antes mecionadas, suena maravillosamente bien, más próximos a Zeppelin (John Paul Jones) que a Foo Fighters (Grohl) o a QOTSA (Homme) aunque sea este último el que haya cogido la batuta de mando del grupo. Todas las canciones que componen este primer disco son largas, llegando algunas cerca de los 8 minutos, además de estar cargadas de buen rock, con unos tremendos riffs de guitarra y un Grohl haciendo lo que mejor sabe que es tocar la bateria. Destacar algún tema, para mi es dificil, me gustan todos. En un principio pensaba que sería un bluff de banda pero que va, es todo lo contrario, estos tres chicos se han tomado en serio su unión y han sacado un disco tremendo, sin tonterias ni ñoñerias. Vamos a encontrar esencia pura de Zeppelin en temas como "No ones love me" o "New Fang" por deciros algunos de ellos, pero lo mejor es escucharlos e imaginaros el directo de la banda, como ninguno de ellos tiene tablas en un escenario, les tiembla el pulso a la hora de subirse a él. Simplemente y sin lugar a dudas la mayor alegria de finales del año pasado. Que lo disfruteis.
Título original:Brainstorm Director:Douglas Trumbull Guión:Philip Frank Messina & Robert Stitzel País:EE.UU. Año: 1983 Género:Ciencia-ficción Reparto:Christopher Walken, Natalie Wood, Louise Fletcher, Cliff Robertson, Jordan Christopher, Donald Hotton, Alan Fudge, Joe Dorsey, Bill Morey, Jason Lively
Un nuevo experimento parece que es culminado con éxito. Se trata de un artilugio sofisticado que permite grabar sensaciones físicas, emocionales y sensoriales y poder después ser revisionadas y trasmitidas a terceras personas. Los protagonistas son el doctor Michael Brace (Christophen Walken) y el Doctora Lillian Reynolds (Louise Fletcher). Al poco tiempo la doctora sufre un ataque cardíaco y al no poder avisar se coloca el artilugio en forma de cascos para grabar su propia tragedia. Mientras tanto, el doctor Brace usa el invento para recuperar a su esposa Karen Brace (Natalie Wood), que le ayudará en su desenlace final.
Pero como suele pasar con los avances científicos, los militares quieren controlar el invento para sus propios fines. Este hecho junto con el ataque sufrido por su hijo al curiosear y probar el invento de su padre, hace que Brace decida seguir investigando, poniéndose la cinta que grabó su compañera la doctora Reynolds. Quiere saber qué hay o qué se siente tras la muerte.
Como anécdota, Natalie Wood murió por causas extrañas poco antes de finalizar la película, convirtiéndose en un homenaje a ésta. Este desconocido director (también de “Naves silenciosas”) tiene el honor de haber realizado los efectos especiales de nada menos que Odisea 2001, Encuentros en la tercera fase, Blade Runner y Star Trek, la película.
1. Get Ourselves Together - 2. Someday - 3. The Ghetto - 4. When the Battle Is Over - 5. Dirty Old Man - 6. Love Me a Little Bit Longer - 7. I Can't Take It Much Longer -8. Do Right Woman, Do Right Man - 9. Soldiers of the Cross - 10. The Gift of Love
Bonnie Bramlett: Vocals - Delaney Bramlett: Guitars, vocals - Leon Russell: Guitars, piano - Jerry McGee: Guitars - Carl Radle: Bass - Bobby Whitlock: Organ, Keyboards, Vocals - Bobby Keys: Saxophones - Jim Price: Trombone, Trumpet, Horns - Rita Coolidge: Backing vocals - Jim Keltner: Drums, percussion.
Supongo que si miro mis gustos musicales tendré que admitir que soy un tipo raro. Hubiese sido más sencillo de otro modo. Desde que tuve noción de aprecio hacia dicho hobby fui perfilando una especial predilección por la música de diversos géneros que resultaba una alternativa a las radiofórmulas, así como por los malditos y por las joyas perdidas en la historia del rock.
Si tuviera que escoger uno de esos tesorillos ocultos, uno de esos clásicos que no conoce casi nadie porque el mundo es injusto desde que el mundo es mundo, creo que me decantaría por “ACCEPT NO SUBSTITUTE”, el segundo álbum facturado por ese matrimonio hippie compuesto por DELANEY & BONNIE, y publicado en 1969.
Se trata de una maravilla entre maravillas. Incluso desde la primera audición se percibe una adicción que muy probablemente permanezca a través de los siglos por parte del oyente. Contiene un sensacional revoltijo de soul, country, gospel, blues y rock sureño. Entre las influencias se podrían citar desde Aretha Franklin (este disco contiene una excelentísima versión del “Do right woman, do right man”) a Ike & Tina Turner a nivel de soul, desde Dr. John (a mi juicio lo mejor del disco es la versión del clásico “When the battle is over”, sin desmerecer para nada el resto) a Albert King a nivel de blues, así como grupos en la onda del rock psicodélico tales como Traffic. Asimismo, en este trabajo se encuentra también una original adaptación del clásico tradicional “Soldiers of the cross”.
“Accept no substitute” es una de esas primeras piedras angulares en las que se basaría el camino del rock ‘n’ roll de los primeros años de la década de los setenta, influyendo en gente de prestigio tal como Eric Clapton con sus Derek & The Dominoes, Leon Russell, George Harrison, Joe Cocker, e incluso Stephen Stills, los Flying Burrito Brothers o los Allman Brothers Band. Un trabajo para oir, escuchar y deleitarse. Y es que investigar y profundizar en los clásicos del rock puede conllevar sorprendentes alegrías. Recomendable para todas las edades y gustos variopintos. Imprescindible.
1. Sweet Jane 2. I Wanna Be Black 3. Satellite Of Love 4. Pale Blue Eyes 5. Berlin 6. I’m Waiting For My Man 7. Coney Island Baby 8. Street Hassle 9. Walk On The Wild Side 10. Leave Me Alone
Lou Reed: voz, guitarras,sintetizador - Stuart Heinrich: guitarras, coros - Michael Fonfara: piano eléctrico - Ellard Boles: bajo, coros - Michael Suchorsky: batería - Marty Fogel: saxo - Chrissy Faith: coros - Angela Howell: coros
Hace tiempo que tengo una deuda pendiente con esta canción, incluída en el disco “Take No Prisoners” de Lou Reed. “I Wanna Be Black” fue lo primero que me vino a la cabeza cuando tuve que decidir mi primer nick… Demasiado largo, pensé, y lo resumí en las dos últimas palabras.
Grabado en el neoyorquino Bottom Line, en este doble LP, muy a la moda en aquellos días donde la mayoría de grupos tenían su doble en directo, encontramos a un Lou divertido, trágico y devastador. Una hora y media de blues urbano contemporáneo (según él mismo cuenta) y que sorprende tras los presuntos cadáveres anteriores (Rock&Roll Heart y Street Hassle). Partiendo con la base de algunos de sus más famosos temas, alcanza momentos de la más brillante y cínica poesía. Los casi diecisiete minutos que dura “Walk on the wild side”, donde Lou no canta, solo habla y habla sin parar, según dicen sobre la mismísima creación de esta famosa canción. La explosiva combinación de “I waiting for my man” y “Temporary things” tocada a ritmo de blues. La escalofriante revisión de “Coney Island baby”. La fascinante postura vital de “Sweet Jane”, tema con el que se abre el disco. El optimismo de “I wanna be black”, jazz, saxofón, coros negros, voz calurosa. Personalmente, este directo me gusta mucho más que el popularizado Rock & Roll Animal, dónde Lou aparece mucho más desnaturalizado.
La portada fue un plagio del Sr. Reed de un dibujo del español Nazario publicado en la revista “Rock Comix” en 1976. A raíz de esto, aquí se publicó con una portada diferente, que es la que yo poseo. Si pincháis aquí podréis ver el dibujo original y un link a un artículo de mi admirado periodista musical Diego A. Manrique.
1. The Coin Toss 2. The Age Of Revolution 3. Gentlemen And Players 4. The Sweet Spot 5. Jiggery Pokery 6. Mason On The Boundary 7.Rain Stops Play 8. Meeting Mr.Miandad 9. The Nightwatchman 10. Flatten The Hay 11. Test Match Special 12. The End Of The Over
Neil Hannon, voz, guitarra , piano
Thomas Walsh,voz, guitarra
A lo largo de mi vida he tenido la gran suerte de poder escuchar todo tipo de música, unas veces mejor y otras peor, pero siempre bajo mi criterio personal, por lo que he oído canciones de todo tipo de temática, desde las que hablan de paz, guerra, odio, amor, etc., hasta algunas dedicadas a futbolistas, presos e incluso tractores, pero nunca habia escuchado un disco entero dedicado a un deporte tan "apasionante" como es el cricket. Pues esta es la idea que unió en este proyecto a Neil Hannon (lider de The Divine Comedy) y a Thomas Walsh (Pugwash) y así se le dio vida a THE DUCKWORTH LEWIS METHOD, que con este disco homónimo han dejado a la crítica un poco perpleja.
El nombre del grupo y del disco hace referencia a un programa matemático para calcular puntuaciones en los partidos de cricket. Pues bien, metidos en esta aurora deportiva, el disco en general es bueno, y sobre todo muy curioso. Con unas claras influencias de The Beatles escuchamos el primer tema "The Coin Toss" que hace referencia al sorteo del campo. Podemos encontrar una joya como es "The Age of Revolution" haciendo una mezcla de jazz de los años 40 con pop, continuamos con más temas claramente influenciados por Beatles como "Gentlemen and players" o "Meeting MR.Miandad". Y luego hay temas al más puro estilo The Divine Comedy como "The Nightwatchman".
1. Love Song 2. This Earth That You Walk Upon (Instrumental Version)
• Jim Kerr – voz • Charlie Burchill – guitars • Mick MacNeil – keyboards • Derek Forbes - bass • Brian McGee - drums
Santos, santos y más santos. Todo el año repleto de santos según el dictamen de la Santa Iglesia Católica. No me cabe la menor duda de que muchos de los santos debieron ser grandes personas para llegar a tan digno rango. Yo solo tengo especial devoción por San Roque, patrón de los peregrinos, de los perros, de los falsamente acusados, de los inválidos, y en algunos lugares de España designado como abanderado contra la gandulería. Es la única efigie religiosa que preside mi hogar desde el día que me la regaló un inolvidable amigo después de tallarla en madera con el sudor de su frente.
En realidad no tengo ningún problema con los santos salvo con los que han sido impuestos hasta la saciedad por la Santa Sociedad Consumista tal como es San Valentín. Me produce empacho toparme en cada esquina o en cada medio de comunicación con el indicativo del regalo de San Valentín. No me hace falta que me lo estén recalcando a fuego lento para transformarme de vez en cuando en un romántico insaciable y empedernido. Y es que ocasionalmente no lo puedo evitar y siento la necesidad imperiosa de crear ambiente antes de retozar en el lecho. Para ello dispongo lo necesario con el fin de que la mesa sea adornada por velas encendidas de color rojo, preparando paralelamente una copiosa cena provista principalmente de abundante marisco con especial devoción por las gambas rojas de Denia, las cuales deberán estar perfectamente acompañadas de un espumoso cava. Es imprescindible que suene una y otra vez al mismo tiempo la canción de amor entre cientos de canciones de amor.
“Love song” es amor en estado puro. Provocadora y fascinante. A mi juicio la mejor canción de los SIMPLE MINDS. Fue incluida en 1981 dentro de un álbum ecléctico y atípico titulado “Sons and fascination”. Tecnopop, psicodelia, rock progresivo y new wave para tiempos memorables.
Reparto:James Murray, Eleanor Boardman, Bert Roach, Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson
Es el 4 de julio de 1900. Se celebra el día de America en New York. Todos los americanos desean ser presidentes y están orgullosos de ser ciudadanos americanos. Y todavía más especial es como se celebra en casa de los Sims, puesto que nace John Sims (James Murray), un joven al que le inculcan que va a ser muy importante en su vida y sólo necesitará una oportunidad.
Un día se va de fiesta con su amigo Bert (Bert Roach) y dos muchachas. Conocerá a Mary (Eleanor Boardman, que es la mujer de King Vidor) que tomará inmediatamente como esposa. Al principio las cosas no le van mal, pero sus ideales de que será importante y llegará la oportunidad, ocasionarán falta de trabajo y no les harán prosperar. “Cuando ríes la multitud siempre ríe contigo; cuando lloras, llora sólo un día”.
Aún así tienen dos niños y les toca un concurso. En breve la desgracia llega a su puerta con la muerte de la pequeña. Hay que seguir, “el mundo no puede detenerse porque a usted le haya pasado una desgracia” se le dice a Jonhn Sims.Hay que destacar entre la multitud (el temor a la industrialización, a las masas, un poco como se gestaba en “Tiempos Modernos” de Chaplin y una antesala a lo que fue el crack del 29).
Una de las últimas películas mudas, donde el guión es de rabiosa actualidad.El cine estaba cambiandoy experimentando, los letreros aparecen con más asiduidad queriendo dejar pasar al sonido. Los efectos de cámara se hacen patentes en las obsesiones en la frente, los contrapicados de los edificios, el movimiento de la ciudad con la gente, las chimeneas, los coches, los trenes, las perspectivas de la oficina (la película del “apartamento” de billy wilder, admirado por esta película, tiene una alusión con la imagen interior de la oficina), de nuevo la perspectiva y los segundos que dedica a subir las escaleras tras oir la ambulancia, las transparencias y veladuras, las risas-humor-movimientos de la escena final.
Es una obra maestra del cine mudo, es historia del cine que no tuvo el éxito adecuado en su momento. Sólo el tiempo, la multitud la ha puesto en su lugar correspondiente.
1. A quien corresponda - 2. A usted - 3. Porque la quería - 4. Una de piratas - 5. Las malas compañías - 6. Esos locos bajitos - 7. Uno de mi calle me ha dicho que tiene un amigo que dice conocer un tipo que un día fue feliz - 8. No hago otra cosa que pensar en ti - 9. Hoy puede ser un gran día
Joan Manuel Serrat: voz y guitarra - Ricard Miralles: piano - Josep Maria Bardagí: guitarra y laúd - Jordi Clua: bajo - Francesc Rabassa: batería y percusión, Tito Duarte: percusión - Josep Mas "Kitflus": teclados - Pere Bardagí: violín.
Si aproximamos el concepto de vida al de existencia y concebimos dicha existencia como método de elaboración de su propia esencia , nos encontramos con misterios tales como el nacimiento o la muerte, pero también con la libertad de los seres humanos en su capacidad de elección a la hora de transitar por el mundo. Entonces la existencia se convierte en un constante peaje, en un todo provisional repleto de etapas en las que se cierran y abren puertas con constancia finita, y en la que factores como el azar cumplen su cometido dentro del destino existencial.
Salir de un duro trance de la vida puede dar paso a intervalos vacíos pero vitales en una especie de paréntesis ocupacional antes de que se produzca un giro renovador y en el que se puede divagar con confianza y convencimiento sobre un mundo que no cumple las expectativas soñadas, así como predicar con metáforas que carguen mordazmente contra la hipocresía social que impera en nuestra sociedad, pero también es muy fácil que surjan brotes arrebatadoramente románticos o episodios de sensibilidad desbordada que dotan de incalculable cuantía personal a valores tales como la amistad o la paternidad desde el sentido más positivista de la vida, cual si fuera un utópico estado de absoluta felicidad transitoria.
JOAN MANUEL SERRAT publicaba en 1981 el álbum “En tránsito” después del nacimiento de su segunda hija y de la muerte de su padre. Probablemente sea su trabajo más maduro, reflexivo y equilibrado, con detalles autobiográficos y denunciantes alusiones metafóricas (“A quien corresponda”, “Una de piratas”, “Las malas compañías” o “Uno de mi calle me ha dicho que tiene un amigo…”), y donde se mostraba como cantautor socialmente comprometido (“A usted”), pasional (“Porque la quería” o “No hago otra cosa que pensar en tí”), y contemplativo de la vida desde una perspectiva satisfactoriamente afortunada (“Esos locos bajitos” u “Hoy puede ser un gran día”).
Este texto está dedicado a los que se han ido, a los que están y a los que han llegado. Y después de lo dicho se ruega silencio porque cuando el Nano canta, el mundo debería callar la boca en primer lugar, después oir y finalmente sobre todo escuchar.
1. The Story Of Our Love 2. Love Bells 3.Da Doo 4. That's How I Feel 5. Image Of A Girl 6.Forget About Me 7. Robot Stomp 8. Why Denise Grow Up 9. Dimelo tu 10. Lonely Days,Lonely Nights 11. Take A Chance Of Love 12. My Spare Time 13. Footsteps 14. Runaroond Baby 15. There's A Girl
Agustín Burriel, Eddie Peregrin, Carmen Salvador, Christian Carrasco: voz y armonías Thierry Courault: guitarra René Dossin: contrabajo
Juan Garcés de Marcilla: bateria
En primer lugar, me gustaria dedicar esta entrada a la pequeña Joana y a sus padres. Enhorabuena a todos. Y ahora si que ya voy a entrar en materia. Si dijera que soy un gran conocedor del movimiento "Doo Wop" estaría faltando a la verdad, tengo un ligero conocimiento sobre él, es decir, información de andar por casa y para no hacer el ridículo si alguien me habla sobre el tema, pero el otro dia en una emisora nacional, no voy a nombrarla pero para mi la mejor emisora que existe actualmente respecto a música, pusieron el primer corte de este nuevo disco de esta banda catalana llamada The Velvet Candles, y que salió a la luz en Diciembre del pasado año, el cual me gustó tanto que tuve que hacer la visita oportuna a mi "distribuidor" oficial de música y ya lo tengo en mi discoteca personal, la verdad es que es genial.
Hay que tener muy buena voz para atreverte a cantar a cappella, aunque esta banda, cuyos componentes pertenecian casi todos a "Street Candles", juntan sus voces con instrumentos y la mezcla te transporta en el tiempo a los años 50, donde cantidad de grupos, sobre todo de color, hacian del "Doo Wop" un movimiento maravilloso. Estos catalanes te los puedes encontrar en Barcelona cantando en la entrada del metro, en una calle bajo de una farola o cantando sus canciones tan ricamente en un bar. Aunque yo, como he dicho anteriormente, no controlo mucho este estilo, pero si que me consta que esta banda es muy conocida en el ámbito rockabilly nacional e internacional y que han actuado en muchos conciertos y festivales llevándose buenas críticas en ellos. Espero que la escucha sea agradable a los oidos de todos vosotros y podais criticar de una forma positiva a estos "Candelabros de terciopelo".
Título original:THX 1138 Dirección:George Lucas Guión:George Lucas & Walter Murch País: EE.UU. Año:1970 Género:Ciencia Ficción Reparto:Robert Duvall, Donald Pleasance, Don Pedro Colley, Maggie McOmie, Ian Wolfe
Los personajes son THX 1138 (Robert Duvall), su pareja LUH 3417 (Maggie McOmie). Viven en un mundo futuro del s.XXV, blanco, bajo tierra con adelantos de muchos tipos. Sus habitaciones para el descanso, sus pastillas como comida que contienen drogas, su adiestramiento en una sociedad con claros estamentos de poder. El pensamiento no es muy libre y son sometidos a descargas eléctricas tipo sable-láser de la posterior guerra de las galaxias. A modo de perdón buscan su redención en una especie de imagen-grabación que siempre ofrece las mismas palabras “da gracias por el trabajo y sirve al sistema y se feliz “.
El pecado más grande es el amor, y el sexo que está totalmente prohibido. Esa falta de libertad y un abuso en cierta droga, hace que THX 1138 mantenga relaciones con su compañera LUH 3417 (que fue quien le cambió la dosis). A raíz de esto, los personajes acompañados además por SEN 5241 (Donald Pleasence), deben huir para escapar de sus perseguidores, del mundo en el que viven, del cual desconocen sus límites (un fondo blanco sin aristas e infinito), al mismo tiempo que sus propias limitaciones como máquinas-humanos.
Una película bastante inconexa, confusa, complejísima y quizás lenta, pero que te da las claves de muchas otras piezas de la ciencia ficción, sin la cual estoy segura no habrían existido. Referencias que he reconocido posteriormente en Blade Runner, la guerra de las galaxias, Matrix, Minority Report…y un montón de efectos especiales en un momento donde los ordenadores apenas existían.
Clara inspiración fue la obra “1984” de Orwen, aunque también tiene constantes influencias de 2001: Odisea en el espacio. El film se basa en el corto que George Lucas hizo dos años antes cuando era estudiante: “THX-1138 EB”. No hay que olvidar que esta película fue el debut de George Lucas, que sin el éxito merecido, es hoy una pieza de culto.
1. Love Lost 2. Rest 3. Sweet Disposition 4. Down River 5.Soldier On 6. Fader 7. Fools 8. Resurrection 9. Science of Fear 10. Drum Song Dougy Mandagi, voz y guitarra Jonathon Aerne, bajo Lorenzo Sillito, guitarra y teclados Toby Dundas, bateria
No hace muchas entradas comenté una de mis bandas favoritas actualmente como eran TSOOL. Pues bien hoy le toca el turno a otra que literalmente me ha quitado la apatia musical que recubria mi cuerpo y sobre todo mis oidos. Este grupo se llama THE TEMPER TRAP. Australianos de Melbourne, aunque actualmente se encuentren hospedados en Londres, comenzaron por el año 05 y tras publicar un EP por el año 06 no habian vuelto a grabar nada hasta el año pasado y bajo la producción de Jim Abbiss, productor entre otros de Artic Monkeys. Considerada una de las 15 bandas con más proyección musical que existe hoy en dia y habiendo participado ya en la banda sonora de "500 días juntos" presentan esta verdadera joya llamada "CONDITIONS".
Con algunos sonidos similares a Radiohead o Massive Attack, pero a mi particularmente me suenan más a bandas de mitad o final de los 80, pero para eso están los críticos musicales, yo lo único que se es que no puedo dejar de escuchar este disco, me tiene entusiasmado. Con un sonido melódico pero al mismo tiempo crudo, jugando con las guitarras y con los falsetes del cantante crean un clima especial. El tema destacado del album es "Sweet disposition" que fue el single debut y que pego fuerte entre las listas independientes, pero en realidad son 10 temazos porque nos podemos encontrar cosas como "Love lost" con la que empieza el disco que no tiene el más mínimo desperdicio o como "Fools" otra maravilla donde la guitarra y la voz se acoplan perfectamente y la bateria juega también un papel importante o "Science of fear" con un sonido 80-90 muy peculiar. La verdad es que para mi fue uno de los grandes descubrimientos del año pasado, espero que lo disfruteis tanto como yo.