Realmente es como el arco iris. Está tan llena de colores que parece que la pareja Jagger & Richards compusieron esta canción concienzudamente para ella. No me cabe la menor duda de que es la más bella y que me tiene cautivado. A veces, cuando ella pide y escucha “SHE’S A RAINBOW”, dice con su sonrisa contagiosa: “Papi, a que el millor grup de música són els ROLLING STONES?”.
“Molt bé princesa, tu si que saps, així és”. Ella ya lo tiene claro, y merece toda mi atención para escuchar juntos este single publicado en 1967, en cuya cara b se hallaban aquellos míticos versos psicodélicos “a dos mil años luz de la Tierra”, ambos temas extraídos del álbum titulado “Their satanic majestic request”, aquel disco que fue criticado y maldito por una gran mayoría pero reverenciado por el que suscribe, y con el que se ponía fin a una etapa. “She’s a rainbow” siempre sonará para ti, princesa.
Se ha publicado el Segundo Certamen de Premios Ediciones Vion (véase enlace). Al blog de Woody Jagger le ha correspondido el Premio 'Ibanez Jem Vai', cuya propuesta iba pareja con una entrevista muy personal. Una persona muy apreciada me ha pedido e insistido con chantaje incluido que la publicara íntegramente. Nunca ha sido la intención de este espacio la búsqueda de premios, pero resulta un auténtico honor recibir este galardón de un blog repleto de honestidad y diversidad como es el de Ediciones Vion. Sirva el presente de agradecimiento y de felicitaciones a todos los galardonados.
1. Sun It Rises 2. White Winter Hymnal 3. Ragged Wood 4. Tiger Mountain Peasant Song 5. Quiet Houses 6. He Doesn't Know Why 7. Heard Them Stirring 8. Your Protector 9. Meadowlarks 10. Blue Ridge Mountains 11. Oliver James
Robin Pecknold (vocals, guitar)
Skyler Skjelset (guitar)
Casey Wescott (keyboards)
Christian Wargo (bass)
J. Tillman (drums)
Gracias al tesón e insistencia de Mr. Milhaud en su admirable espacio blogosférico "Cada día un cantar", conseguí prestarle la suficiente atención al primer álbum de los FLEET FOXES, una banda americana del llamado indie-folk de la primera década del siglo XXI, caracterizada por el predominio del uso de la guitarra acústica en un sorprendente pop armonioso, y dentro de una especie de original injerto entre Crosby, Still, Nash & Young, Mamas & The Papas, Bob Dylan, y Brian Wilson con sus Beach Boys en la que fuera aquella etapa de su aclamadísimo “Pet sounds”, repleta de melodías vocales sublimes.
Este álbum contiene una homogeneidad digna del mayor de los elogios, y su gran éxito derivó de la popularidad producida por las constantes audiciones de sus composiciones en su particular espacio de Internet como innovadora fórmula promocional. Resulta muy difícil destacar algún corte por encima de otros, acaso “White winter hymnal” y su intenso tambor, ese piano intimista de“He doesn’t know why” o la sensible “Ragged wood”, escogidas las dos primeras como singles. Al final de todo el álbum, el uso de instrumentos como la flauta junto a las exquisitas armonías vocales y textos que hacen alusión a la naturaleza, producen la sensación de mostrar imágenes campestres de gran belleza, o bien de origen medieval.
1. Lost Highway 2. Enroque 3. Una Historia De Opereta 4. Mistery Train 5. Nupcias 6. En Algo Acerté 7. Mi Corazón 8. Llueve Por Las Tardes En Abril 9. Cenicientas, Aspirinas Y Alcornoques 10. Parejas 11. Demasiadas Mañanas 12. Esto Es La Canción 13. Mejor Esquivar 14. La Cadena De Marfil 15. Entre Brooklyn Y Tú 16. En La Tierra De Efraim 17. Blues Del Perdedor 18. No Sabemos Que Es 19. Perdido En El Océano 20. Mi Huracán 21. Mr. Hyde
Cisco Fran (voz, guitarra acústica, armónica)
Fede Ferocce (guitarras eléctricas)
Chuso Al (batería)
Luis Vilanova 'Chiti Chitez' (bajo)
Paul Groggon 'Fiddler Paul' (violin y guitarra electrica)
Departir sobre el grupo valenciano LA GRAN ESPERANZA BLANCA en ciertos círculos es hablar de palabras mayores a nivel musical en España, a pesar de que nunca fueron un grupo popular de éxito.
Aunque pueda parecer una osadía por mi parte, apostaría la yema de un dedo de la mano y no creo que la perdiera por afirmar que La Gran Esperanza Blanca ha sido el mejor grupo de country-rock habido, y quizás por haber en España, donde a partir de los fabulosos textos y de las adaptaciones líricas elaboradas con una especial precisión por ese gran tipo que es su líder Cisco Fran, se fraguó una de las discografías más completas, sin milímetros de desperdicios, del cancionero español, donde la esencia del mejor Dylan (incluso el nombre del grupo es un sentido tributo al cantante de Minnesota), la actitud de Neil Young, y las raíces de la música americana encontraron una vía de escape en el idioma de Cervantes.
“MEDICINE SHOW” fue el segundo álbum de La Gran Esperanza Blanca, publicado en 1998 y compuesto por veintiuna joyas irrepetibles. El disco se abre con una atenta y elegante versión, violín incluido, del “Lost highway” de Hank Williams (otra de las grandes influencias de este grupo y gran clásico que se respira con intensidad a lo largo de este show medicinal). Después, la inclusión de “Enroque”, excelente tema country extraído de un recopilatorio variado de grupos valencianos editado en 1995, cede paso a dos canciones como “Una historia de opereta” o “Mistery train” en las que los coros femeninos les proporcionan una singular belleza. A partir de este instante este disco se convierte en un paseo por nuevas y preciosistas composiciones donde se podrían destacar “En algo acerté” (dedicada al hijo de Cisco Fran), “Mi corazón” o “Cenicientas, aspirinas y alcornoques”, sin desmerecer temas del calibre de “Nupcias”, “Llueve por las tardes en abril” o “Parejas”.
En el ecuador del “Medicine show” se encuentra “Demasiadas mañanas”, adaptación al castellano del mítico “One too many mornings” dylaniano, en una lectura acústica de la sublime versión que La Gran Esperanza Blanca incluyó dentro del “tributo en la lengua del amor”, grandísimo homenaje de diversas bandas en español que se dedicó a Bob Dylan en 1996 y que coordinó el mencionado Cisco Fran.
El resto de temas que componen la recta final de este disco recopila diez brillantísimos temas pertenecientes a los 3 primeros ep’s y primer Lp de La Gran Esperanza Blanca, donde por encima de todo “hay folk, blues y también rock’n’ roll”. La mejor medicina para reivindicar el rock nacional. Imprescindible.
En 1980 comenzaba a florecer a nivel musical en un país llamado España una atípica sensación de diversidad que partía de un principio básico: el disfrute de independencia con actitud. Ese año un grupo madrileño llamado LOS SECRETOS se descolgaba con “Déjame”, un single que se convertiría en uno de los pioneros y estandartes de una época que marcaría profundamente la evolución musical de dicho país.
Las buenas expectativas generadas con el mencionado “Dejame” y aquella recuperada lectura de “Sobre un vidrio mojado” del grupo de origen uruguayo Kano y los Bulldogs, desembocarían en el legendario álbum homónimo de Los Secretos. Con ellos se producía la resurrección del pop sesentero nacional con ciertos guiños a la llamada nueva ola británica que imperaba en la época. El segundo single de los hermanos Urquijo, titulado "OJOS DE PERDIDA", sería un trallazo popero cargado nuevamente de desesperación por amores rotos, pauta habitual en este grupo, y que los convertiría en los reyes de un exquisito e inmortal pop triste y melancólico.
1. Sábado noche 2. Rock de Europa 3. Balanceo del rock 4. La ciudad no tiene fin 5. Hoy como ayer 6. Tarde en el metro 7. Zapatos de gamuza azul 8. ¿Qué dije? 9. Rock del portal 10. Nocturno de princesa 11. Para ti una mentira 12. Balada de Madrid
Moris: voz, guitarra
Felipe, Ariel: bajo, guitarras
Manolo, Julian: bateria
Jose Torres: piano
La aguja cae suavemente sobre el impoluto disco que acaba de salir de su funda de parafina. Suena un trémulo acorde de guitarra y una voz nos va recitando: “Sábado a la noche ya cobré, y mi dinero yo me lo gané, mi madre me dice ven y quédate, pero es sábado a la noche y qué puedo hacer, lo gastaré por ahí, la invitaré a salir, a recorrer la ciudad, como yo soñé”. La guitarra coge el ritmo y pronto le siguen bajo, batería y piano para rocanrolear con furia. Así empieza este disco titulado "Fiebre de vivir" de MORIS, un argentino que tuvo que huir de su país por culpa de la dictadura militar y que, gracias a un contrato en un bar de copas de Madrid ( El Poncho) que le ofrece un amigo y a ver su vida seriamente amenazada, decide cruzar el charco y empezar de nuevo en un país que, curiosamente, está estrenando una todavía incierta democracia.
Allá en Argentina había sido un reputado rockero pero, en 1976 y sin Internet, era difícil que fuese conocido por aquí. Empieza sus actuaciones nocturnas y aprovecha el tiempo libre para recorrerse aquel Madrid pre-democrático tomando notas (“urgente poesía y sentimientos” escritas en "largas tardes y francas noches, en cafeterías de Cuatro Caminos, en el Vips de Princesa, en la desierta y ventosa Gran Vía y dando vueltas por la plaza de Callao") para después trasladarlas a sus canciones.
Entra a formar parte de ese movimiento pre-movida que se llamó “el rollo” y no tarda mucho tiempo en dejarse conocer en el mundillo musical. Jesús Ordovás va a verlo a El Poncho y opina sobre él: “No era el típico cantautor de guitarra acústica, era un rocker, con su lado folk, pero tenía claro que quería hacer rock and roll”. Pronto empieza a moverse por el circuito de actuaciones en discotecas y colegios mayores junto a Tequila, Burning o Ramoncín (cómo cambia el cuento, caperucito). "El periodo de 1975 a 1980 es fundamental", comenta Ordovás, "fue el gran cambio. El grupo definitivo de la época es Burning, que junto a Moris, influyen a todo el mundo. Son como los Beatles y Dylan del rock español, con Tequila, que estaban en medio. A partir de ahí surge todo, porque viendo esos conciertos estaban Herminio Molero, los hermanos Auserón, Los Secretos, Nacha Pop, Mamá... Moris es el precursor de la nueva ola, influyó a todos los grupos que estaban empezando". El mismo Ordovás le presenta a Mariscal Romero que está organizando una nueva discográfica que aglutinará a todos los grupos de “el rollo”: CHAPA DISCOS. Aquí editarán sus primeros trabajos Asfalto, Topo, Leño, Ñu, Mermelada o Bloque.
Tequila será la banda que lo acompañará en la grabación de este disco y lo hicieron en tan sólo cuatro días, en largas sesiones de 12 horas y, según corrobora el mismo Moris, “sin gota de alcohol ni drogas” (cosa no muy habitual en aquellos años). El cantante define sus canciones como “tangos del empedrado”, por las similitudes que encuentra entre aquel Madrid y su Buenos Aires natal. Combina el rock clásico (“Sábado a la noche”, “Rock del portal”, “Zapatos de gamuza azul”)con baladas con grave voz tanguera (“La ciudad no tiene fin”, “Nocturno de princesa”, “Balada de Madrid”). A pesar de que se han cumplido más de treinta años de la edición de este disco, sigue en el peor de los olvidos, el de los descatalogados, aún siendo uno de los más bellos discos de rock en nuestro idioma.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por el Reverendo Beblack, nuestro erudito colaborador y comentarista, del que algunos datos entrecomillados proceden como fuente del diario El Pais).
Título original:Chinatown Dirección:Roman Polanski Guión:Robert Towne País:EE.UU. Año: 1974 Género:Intriga Reparto:Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, Burt Young, John Hillerman, Darrel Zwerling, Roman Polanski
Una agencia de detectives especializada en divorcios, encabezada por Jake Gittes (Jack Nicholson) recibe la misteriosa visita de la sra. Mulwray (después será Ida Sessions), que quiere investigue las “compañías” de su esposo. Los tres detectives comienzan un exhaustivo seguimiento al sr. Hollis Mulwray (Darrell Zwerling) que resulta es un científico y el jefe del servicio de aguas de la ciudad. Pero la situación se complica en menos de un día cuando aparece el cadáver del sr. Mulwray ahogado. Su esposa Evelyn Cross Mulwray (Faye Dunaway), confirma que no fue ella quién contrató a Gittes, pero lo acaba contratándo también para averigüar quién asesinó a su marido a tenor de las sospechas que Gittes sostiene. Aparte, el suegro de Mulwray, el señor Noah Cross (John Huston), también requiere los servicios de Gittes para que le diga quién era la amante de su yerno y que la encuentre (que resulta es la hija de su hija Evelyn, que es a la vez la hija de Noah. Es decir, padre e hija mantienen relaciones). Y para más inri los agricultores también estaban en contra de Mulwray por no querer construir un pantano que daría solución a la sequía que se sufre en la localidad.
Un verdadero thriller que te absorbe cada segundo que pasa, donde todos buscan a Gittes para que les solucione sus dudas. Una película referente del cine negro, muy bien hilvanada y muy rápida, donde Jack Nicholson está inconmesurable, y cuyo guión fue premiado con un oscar. Otras actuaciones también muy a destacar las de Faye Dunaway y John Huston. Como anécdota señalar que el mismo Polanski es el autor del famoso navajazo en la nariz de Jake Gittes.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).
Dentro de nuestro apartado de recomendación de actividades que consideramos interesantes, comentar que continúa la exitosa gira de los SOUL TELLERS, el último proyecto de ese gran artista llamado Miguel Angel Julián, el que fuera líder de los míticos e inolvidables Cool Jerks.
En la cita que tendrá lugar el 20 de Junio del 2009 a partir de las 23 horas, en Pego (Alicante), nos ha comunicado como primicia que se pondrá a la venta su nuevo álbum titulado "Healing with the feeling". Para mayor información consultad en http://www.myspace.com/soultellers. A continuación las fechas que restan de la gira, con mucho SOUL & LOVE:
20 de Junio 2009 - 23:00 - Pego (Alicante)
27 de Junio 2009 - 21:00 - Auditorio Orense (Orense)
4 de Julio 2009 - 22:00 - Teatro Lopez de Ayala (Badajoz)
8 de Julio 2009 - 22:00 - Goldmine (Berlin)
11 de Julio 2009 - 22:00 - Parque Municipal Elche (Alicante)
18 de Julio 2009 - 23:00 - Festival de Jazz de Sanlucar de Barrameda (Cadiz)
19 de Julio 2009 - 21:00 - Hondarribia (Guipuzcoa)
4 de Septiembre 2009 - 20:00 - Empty Bottle (Chcago)
18 de Septiembre 2009 - 21:00 - Auditorio Caja Granada (Granada)
23 de Septiembre 2009 - 21:00 - Black Diamond (Memphis)
26 de Septiembre 2009 - 22:00 - Auditorio Municipal Caudete (Albacete)
25 de Octubre 2009 - 20:00 - Hootananny (Brixton South London)
1. Splendid Isolation 2. Even a Dog Can Shake Hands 3. Bad Karma 4. Gridlock
Atípico cantautor americano, su primer disco databa de 1969. A partir de ese momento WARREN ZEVON desarrollaría una irregular carrera discográfica con grabaciones que nunca acababan de tener una continuidad por problemas personales, de alcohol y drogas. A pesar de ello fue muy apreciado como músico de culto. Cercano a músicos del prestigio de Neil Young, Bob Dylan o Jackson Browne y reivindicado por esa corriente de Nuevo Rock Americano que encabezaron los R.E.M., a finales de la década de los 80 grabó un par de discos de poca trascendencia popular aunque para nada exentos de calidad.
Provisto de un humor negro muy particular y ciertos guiños a un country-rock muy melancólico, en 1989 vio la luz el álbum “Transverse city”, dentro del cual se encontraba “SPLENDID ISOLATION”, acaso el mejor tema de este curioso pero influyente artista, y donde le daba un punto de valor considerable a esa soledad característica que siempre aparentó acompañarle a lo largo de su vida.
1. Like a Virgin 2. Method to My Madness 3. Dreams and Desire
Stiv Bators: voces
Brian James: guitarra
Dave Tregunna: bajo, coros
Nicky Turner: batería, coros
Musicalmente Madonna nunca fue santa de mi devoción. Bueno, y como mujer tampoco me ha despertado nunca un morbo especial. Creo que lo único que siempre me ha atraído de ella han sido sus rítmicos e inalcanzables contorneos y tres secuelas que generó su exitoso “LIKE A VIRGIN" de 1984.
Puestos a detallar dichas derivaciones destacaría por una parte aquel ilustrativo y mítico diálogo mafioso con el que se inicia el film “Reservoir dog” (véase el enlace) realizado por Quentin Tarantino en 1992 y en el que los intérpretes se cuestionan si el argumento de la canción versa sobre “una metáfora sobre pollas grandes” o sobre “una chica muy vulnerable que conoce a un tío muy sensible”. Por otra parte, aquella versión repleta de cinismo y guitarras distorsionadas que realizaron mis admiradísimos Teenage Fanclub en 1990 dentro de su segundo Lp “The king”. Y en tercer lugar, la primitiva, simpática y polémica lectura con la que deleitaron al mundo los LORDS OF THE NEW CHURCH en 1985, la cual llevaba consigo incluso unas pequeñas dosis de flatulencias que le proporcionaban un sabor más cercano al punk-rock hasta el punto de provocar que la misma no pudiera ser defendida en un ficticio pleito ni por el letrado más diabólico.
Este disco fue el penúltimo single que publicaron estos "Señores de la Nueva Iglesia" antes de su disolución, dentro de lo que fue un super grupo cuyos miembros procedían de bandas ilustres tales como los Dead Boys, los Damned, los Sham 69 o los Barracudas, en una reunión que durante unos cuantos años cabalgó a medias entre el lado más salvaje del punk-rock y el del post-punk. En el mismo 1985 se incluiría este “Like a virgin” en un excelente recopilatorio titulado “Killer lords”.
1. I'm Gonna Knock You Out! (12'' Remix) 2. I'm Gonna Knock You Out! (7'' Remix) 3. Love Delegation
Peter Zaremba, Wendy Wild, Michael Ullman, Barrence Whitfield: vocals
Keith Streng: guitar
Jon Cormany: bass
Ricky Rothchild: drums
Kenny Margolis: piano
Paul Vercesi, Tony Orbach, Hamiet Bluiett: saxophone
Danny Lipman: trumpet
Nelson Keene Carse: trombone
Si existió una canción en los inolvidables años 80 que unió en las pistas de baile a toda clase de especímenes de lo más diverso y variado de las abruptas cavidades nocturnas de la época, esa fue “I’M GONNA KNOCK YOU OUT” de LOVE DELEGATION, uno de los proyectos dirigidos por el polifacético y carismático Peter Zaremba entre los años 1986 y 1988, paralelo a los sensacionales y siempre imperecederos Fleshtones, y que contó con las colaboraciones en los coros de gente del prestigio de Dave Faulkner de los Hoodoo Gurus o Pat Dinizio de los Smithereens.
La versión de este maxisingle fue preparada a conciencia para llegar a un mayor número de público, y difería considerablemente de la publicada en aquel gran álbum titulado “Spread the word” de 1986. Garage, surf y beat al servicio de una década heterogéneamente prodigiosa.
La prolífica y heterogénea década de los 80 agonizaba. Las perspectivas de corrientes musicales originalmente alternativas eran halagüeñas. Por una parte Sonic Youth y Pixies al otro lado del Atlántico, y por el otro The Jesús and Mary Chain y los STONE ROSES en las Islas Británicas se convertirían en los cuatro pilares fundamentales que actuarían de revulsivos y detonantes en el comienzo de la escena independiente de la década de los 90.
Manchester, cuna de míticas bandas como Buzzcocks, Joy División, The Smiths, The Chameleons o New Order entre otras, volvía a estar en boca de todos. Esta vez con más fuerza si cabe, pues se había creado un estilo propio asociado casi íntegramente a esa ciudad, denominado “sonido Madchester” y que tendría su momento mayor de esplendor con la publicación del álbum homónimo “THE STONE ROSES”, resultado de las buenas expectativas creadas en los tres singles publicados entre 1985 y 1988 tales como “So young”, “Sally Cinnamon” y “Elephant stone”, y que hacían presagiar que se estaba cociendo algo importante.
Con desparpajo y ciertas dosis de altivez y provocación, los Stone Roses arremetieron contra el poder establecido. Musicalmente no inventaron nada. Simplemente dotaron de nuevos ritmos más bailables al pop psicodélico de los 60, resucitándose obras que parecía que se hallaban marginadas en aquellos momentos, desde “el señor de la pandereta” de los Byrds al “Sargento Peppers” de los Beatles o al aislado brote “satánico” de los Rolling Stones.
Numerosos singles de notable éxito tales como “MADE OF STONE”, “SHE BANGS THE DRUMS”, “I WANNA BE ADORED”, “WATERFALL” o “I AM THE RESURRECTION” fueron extraidos de este álbum entre los años 1989 y 1992, período que duró el reinado de los Stone Roses. A su lado, baladas como “ELIZABETH MY DEAR” o “SHOOT YOU DOWN”, alucinaciones psicodélicas como “DON’T STOP”, cortes poperos como “BYE BYE BADMAN” y genialidades preciosistas como “(SONG FOR MY) SUGAR SPUN SISTER” o “THIS IS THE ONE” conferían al álbum un toque ácido profundamente homogéneo, y que a pesar de perder vigencia por las cíclicas modas musicales debería el tiempo devolverle su status merecido como una de las obras cumbres del pop-rock de una ciudad que cuenta con discos inmortales tales como “Unknown pleasures”de Joy División, “Strange times” de The Chameleons o “The queen is dead” de The Smiths. Dicen que no hay dos sin tres, pero en Manchester afirmaban en aquellos tiempos sin ningún tipo de rubor que si hubieron tres tenía que llegar el cuarto.
De Watford, localidad próxima a mi ciudad musical favorita Manchester, procedían los SAD LOVERS & GIANTS, un grupo que creó una música excelente, definida entre el post-punk, el pop suave y la psicodelia.
Claramente influenciados por Joy Division o The Chameleons, o incluso se habla tambien de Pink Floyd, tenían un gran repertorio de temazos como “Things we never did”, “Imagination”, “Cowboys, “Seven kinds of sin” , etc. Quiero hacer especial mención a su segundo single “Colourless dream”, donde se encuentra la esencia de los dos grupos mencionados así como de New Order y de un especial sabor a The Cure.
Todas esas influencias de grupos tan espectaculares como los anteriormente citados no eclipsaban en absoluto su estilo propio, carácter y garra en la sintonía, melodía y creación de sus canciones, que aportaban una elegancia elevada a niveles exponenciales suficientes para dejar en un alto pedestal a los Sad Lovers & Giants, a la postre gran referente del post-punk y del rock gótico.
Este texto ha sido remitido para su publicación por Alvaro, el xiquet d'Algemesí, nuestro apasionado colaborador.
Título original:The Barefoot Contessa Dirección:Joseph L.Mankiewicz Guión:Joseph L.Mankiewicz País:EE.UU. Año:1954 Género:Drama Reparto:Ava Gardner, Humphrey Bogart, Edmond O'Brien, Marius Goring, Rossano Brazzi, Valentina Cortese, Elizabeth Sellars
Una voz en off nos irá acompañando en la narración a lo largo de la historia en la aparición del color por primera vez en este director. La película comienza en el final, con el funeral de Maria Vargas (Ava Gadner). Y comienza la explicación. Ella era una bailadora de flamenco de un club de un barrio de Madrid que causa fascinación a todo el que la contempla. Un día acudirán el multimillonario productor de su primera película Kirk Edwards (Warren Stevens), el director y guionista Harry Daves (Humphrey Bogart), y el relaciones públicas Oscar Muldoon (Edmon O’Brien) el cual ganó una estatuilla por actor secundario. Su propósito buscar una cara bonita con la que realizar una película. Como todos están al servicio del sr.Kirk, tienen que ir en búsqueda de Maria Vargas para convencerla de que trabaje para ellos. La ardua tarea, ya que Maria no es muy accesible, será conseguida por Harry que sabe como tratarla y convertirse en su amigo. Desde entonces Harry tiene la obligación de convertirla en una actriz y Maria pasa de ser la estrella del club a una megaestrella de Holliwood (tras superar con éxito la prueba de cámara en Roma) con el nombre artístico de Maria Damata.
Similar al cuento de Cenicienta, Maria lo tiene todo menos su príncipe azul, así que en una fiesta se va con el multimillonario sudamericano Bravano (Marius Goring) tras poner en evidencia a su anterior mentor Kirk. Pero la situación se repite y Bravano no puede obtener el amor de lady cenicienta, hasta que casualmente le rescata el conde Vicenzo Torlato Fabrini (Rosano Brazzi). Todo parece perfecto, un cuento de hadas, aunque Harry piensa que algo raro esconde este conde. Su sexto sentido, como no, confirma sus sospechas al contarle en una visita Maria, que su marido tras unas operaciones se ha quedado impotente. La familia Torlato Fabrini no se iba a perpetuar y ella sería la última condesa. Pero los celos se apoderarán de Vicenzo que desembocarán en un fin trágico para el cuento perfecto. Dos cosas perdurarán en la memoria, “che sará sará” y su estatua con los pies desnudos que le dotaban de cierta seguridad para poder alejarse del mundo frio de la alta sociedad.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).
Nunca está de más, ni aquí ni allí, recordar e informar de vez en cuando que a partir de que la cocaína se introduce por las vías nasales (u otras vías), se puede convertir en una droga potencialmente peligrosa, que hiperestimula el sistema nervioso, que eleva la autoestima, que genera descontroles mentales y que la adicción puede provocar infartos, trombosis, depresiones, paranoias, etc. Ah, y que casi con toda seguridad ha traído problemas a algún ser querido de nuestro entorno.
Una vez leído todo ello también conviene recordar que el cuerpo es la gran propiedad de uno mismo y que cada palo debe aguantar su vela introduciéndose lo que estime oportuno, pero por favor sean felices sin joder al prójimo. Y así de paso, como quien no quiere la cosa, también podemos apoyar este texto escuchando una exquisita canción de J.J. CALE que compuso en 1976 para su álbum “Trobadour”, titulada "COCAINE", y que llevó al éxito Eric Clapton un año después dentro del exitoso “Slowhand”. Y como estamos en fase de recuerdos resulta importantísimo dejar amplia constancia de que al estilo de J.J. Cale le podría bastar y sobrar una guitarra y una caja de ritmos para relajar la mayoría de neuronas del oyente a base de un originalísimo cóctel de blues, country, rockabilly y jazz, hasta el punto de influir considerablemente en estrellas tales como el susodicho Clapton, Mark Knopfler, Neil Young o los mismísimos Lynyrd Skynyrd.
Los míticos temas “YOU SEND ME” y “SUMMERTIME” del primer single de SAM COOKE publicados en 1957 fueron incluidos en su primer álbum homónimo de 1958, un inicio donde ya se comprobaban sus conmovedoras y particulares maneras artísticas de interpretar cantando desde el alma de forma clara y directa, haciéndose acompañar para la ocasión por la Bumps Blackwell Orchestra.
A partir de este momento se gestó la carrera de uno de los grandes referentes de la música soul, rhythm&blues y gospel, hasta el punto de ser valorado por muchos aficionados de este género como el “rey del soul”, título que siempre ostentará junto a Otis Redding (en mi caso siempre me decanté por Otis aunque sin menospreciar un ápice al Sr.Cooke). Su atípico control compositivo en la mayoría de sus temas le permitió ganarse un apreciadísimo interés por un gran sector de seres humanos de raza blanca mientras colocaba otro importante granito de arena en la lucha por acabar con la patética discriminación y segregación de seres humanos con piel de color negra.
1. (Sittin' on) the dock of the bay 2. Sweet Lorene
Se dice pronto: tres minutos para que aterrizara en su destino. Veintiséis añitos y cruzó la delgada línea hacia el otro lado. Antes de aquellos malditos 180 segundos y en aquella maldita avioneta moría el cantante de soul OTIS REDDING en la mañana del 10 de diciembre de 1967 tras accidente aéreo en el lago Monona, un lugar hermoso ubicado en Madison, la capital del estado de Wisconsin en Estados Unidos.
Funeral multitudinario. Dicen que no se recuerda tamaña tristeza, acaso por no poder evocar tipo más vital en la historia de la música, acaso porque jamás existió tipo que sintiera con tanta fuerza sus interpretaciones artísticas, acaso porque tipos negros, tipos blancos, tipos amarillos, tipos rojos, tipos azules, tipos marrones y tipos rosas estuvieron más unidos que nunca, hechizados y entregados a su causa. Injusta la vida para algunos artistas y demasiado fácil para otros. Ser el más grande y llegar a nº 1 después de muerto, una pauta muy habitual marcada por los designios de la industria discográfica. Con “(SITTIN' ON) THE DOCK OF THE BAY”, obra postuma y balada entre las baladas, se percibieron ciertos atisbos de cambios con los que Mr.Redding podría haberse separado progresivamente del soul tradicional.
En algunas almas de uno de los lados de la escuálida línea siempre estará muy vivo todo su legado. Se recomienda oir y escuchar esta canción sentado, en señal de respeto. Después, si lo creen oportuno, pueden silbar.
1. She put a spell on me / 2. I can't stand you no more / 3. Boomerang / 4. The love you lost on the way / 5. Just keep on rockin' / 6. Two for the price of ten / 7. Straight jackeet / 8. Sufferin' with the blues / 9. Jona Lee / 10. Love grown cold / 11. My mind is troubled / 12. Flip flap Jack / 13. Up jumped the devil / 14. Nobody knows
Chris Vachon: guitarra
Dave Howard: voz
Bryan Rizzuto: bajo
Ephraim Lowell: bateria
Travis Colby: piano
Rich Lataille & Mark Earley: saxos
Doug Woolverton: trompeta
Imaginad trasladaros a un garito de los años 30 en la mafiosa Chicago, con su humo sobrevolando por el techo, las botellas de whisky sobre la mesa, los caballeros vestidos con su traje y sus botines de color negro y blanco, nuestras chicas con sus trajes largos,etc., y en el escenario una banda que suena a una mezcla de swing y blues. Así es como me siento cuando oigo a ROOMFUL OF BLUES. Esta banda de Rhode Island lleva encima de un escenario la friolera cantidad de 40 años haciendo este tipo de música. Ha sido una banda en la que sus componentes han ido variando con el paso del tiempo, entre otros han estado el pianista AL Copley, Lou Ann Barton (fundadora de Double Trouble), Curtis Salgado, Duke Robillard (Fabulous Thunderbirds), etc.
Con alrededor de unos 20 discos a sus espaldas continúan hoy en dia siendo fieles a su estilo, mezclando swing, blues y rock. Esta combinación casi perfecta acompañada por la voz de un blanco que parece un negro junto al sonido de las trompetas y saxos hace que consigan una música envidiable. No es el típico blues de siempre,a mi me da otro tipo de vibraciones y espero que a vosotros tambien. Aquí os dejo con ellos, con una habitación llena de blues.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por Voro, nuestro colaborador alternativo).
Título original:Bird Dirección:Clint Eastwood Guión:Joel Oliansky País:EE.UU Año:1988 Género:Musical/Biografía Reparto:Forest Whitaker, Diane Venora, Michael Zelniker, Samuel E.Wright, Keith David, Michael McGuire, James Handy, Damon Whitaker, Morgan Nagler, Arlen Dean Zinder, Sam Robards, Penélope Windust, Glenn Wright, George Orrison, Bill Cobs
Aunque no soy fanática del jazz, podría decirse que esta película tiene mucho que contar cuando se junta el talento y sensibilidad de Clint Eastwood con la biografía del mejor saxofonista, Charlie Parker (Forest Whitaker), apodado Bird. Dentro de este mundo, del que me reconozco una inculta convencida, Charlie fue un revolucionario en la forma de entender el jazz, y por tanto forma parte de la historia de su evolución. Con amigos como Dizzy Gillespie, conocidos por el nombre de "Diz and Bird", y con Bud Powell, fueron precursores de lo que se conoció como el bebop. El tío improvisaba de tal manera que dejaba fuera de juego al resto de la banda destacando sobresalientemente. Creaba su propio estilo que lo hizo único e irrepetible.
Eastwood se basó en el guión de Joel Oliansy, perdido por los archivos de Columbia y que recogía las memorias de su mujer, Chan Parker (Diane Venora) sobre la vida de su marido Charlie Parker. El film muestra sus miedos, sensibilidad, su adicción a la heroína, el amor y apoyo de su mujer. La muerte de su hija provocó un intento de suicidio, pero su muerte llegó muy joven, con apenas 35 años por un ataque cardiaco.
Como legado nos ha dejado canciones que se pueden escuchar durante la película como fragmentos de ópera (Mario Lanza), o el pájaro de fuego de Stavinsky, adaptaciones de otros autores (era fanático de Duke Ellington) o composiciones propias (“April in Paris”, “Koko”, “Ornithology”, …) Sin duda, una de las mejores películas de jazz.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).
1. Just a Gigolo / I Ain't Nobody (medley) 2. (Nothing's Too Good) For My Baby
3. The Lip
4. Body and Soul
5. Oh Marie
6. Basin Street Blues / When It's Sleepy Time Down South (medley)
7. Jump, Jive an' Wail
8. Buono Sera
9. Night Train
10. I'll Be Glad When You're Dead You Rascal You
Louis Prima: vocals, trumpet
Keely Smith: vocals
Jack Marshall: guitar
Sam Butera: tenor saxophone
James Blount, Jr.: trombone
Willie McCumber: piano
Amato Rodrigues: bass guitar
Bobby Morris: drums
Ha llovido mucho y todavía resuena en mi cabeza aquella frase que en el primer lustro de los 90 nos dedicaba el gran Chef, mi admiradísimo hermano mayor putativo y fuente de conocimientos varios: “Todo está muy bien, el pop, el soul, el rock y la madre que los parió, pero no conocéis a LOUIS PRIMA”. Cargado con casi media tonelada de vinilos, anduve enganchado durante cierto tiempo a este trompetista estadounidense, también conocido como “el rey del swing”. Aquella adicción fue tan extrema que durante un par de meses fui incapaz de suministrarme otra dosis diaria que no fuera la de este artista de Nueva Orleans.
Este hijo de sicilianos humildes era hermano del trompetista Leon Prima, quien le incitó en el jazz hasta el punto de colocar entre sus grandes influencias al maestro Louis Armstrong. Aunque facturó singles de cierta popularidad en la década de los 30 y sobre todo de los 40, fue a raíz de su matrimonio con Keely Smith en los 50, y de esa mezcla de italiano e inglés, cuando obtuvo la mayoría de sus grandes éxitos.
Auténtico showman, sus conciertos eran sinónimos de diversión garantizada. Su primer largar duración fue este “THE WILDEST!” que se publicaría en 1957, uno de los discos fundamentales de la historia del swing y del jazz. Un álbum fantástico, sin desperdicio, dentro del cual obtuvieron enorme éxito el medley de “JUST A GIGOLO” y “I AIN'T NOBODY”, o canciones como las del single formado por “BUONO SERA” y “OH MARIE”. Mercy beaucoup, Chef.
LOUIS ARMSTRONG es respecto al jazz un caso similar al de Elvis Presley en el rock&roll. Y es que gracias a este trompetista y cantante de Nueva Orleans, el jazz traspasó fronteras y se hizo mucho más popular.
Provisto de un carisma extraordinario, de unas características facciones risueñas que se hacían más singulares por la forma de embocar la trompeta y que le valieron el apodo de “Satchmo”, algo así como "boca de bolsa", prestó su apoyo al activismo de Luther King hasta convertirse en uno de los artistas más influyentes del Siglo XX.
Fue en la década de los 60 cuando le llegó el éxito masivo a nivel internacional con el tema “Hello Dolly”. A los 66 años de edad publicaba “WHAT A WONDERFUL WORLD”, una tierna, excitante y romántica canción que podría servir de telón de fondo como signo de valor de las cosas más triviales así como de mirada optimista hacia el futuro. En la década de los 80, este tema volvería a difundirse enormemente al formar parte de la banda sonora de “Good morning Vietnam”.
1. Say It Loud - I'm Black And I'm Proud (Part 1) 2. Say It Loud - I'm Black And I'm Proud (Part 2)
James Brown: Voz
Waymond Reed, Richard "Kush" Griffith: Trompetas
Fred Wesley - Trombón
Alfred “Pee Wee” Ellis, Maceo Parker, St. Clair Pinckney: saxos
Jimmy Nolen: Guitarra
Charles Sherrell: Bajo
Clyde Stubblefield: Batería
Coro de niños desconocidos
“Dílo bien alto: soy negro y me siento orgulloso de serlo.” Cuando, en agosto de 1968, JAMES BROWNdesafió al mundo con este single, estaba haciendo algo más que gritar un manifiesto antirracista a ritmo de funk. Aquel estribillo demoledor era el catalizador de millones de voces negras demasiado tiempo silenciadas, el sueño revolucionario de una sociedad en la que nadie fuera discriminado por el color de su piel, el mismísimo espíritu de la música SOUL.
En 1968 los ciudadanos afroamericanos estaban cabreados con el sistema, enfadados con la pobreza, la brutalidad policial, la injusticia, y se estaba produciendo un apasionado debate sobre su futuro. ¿Lo dirigiría la fe de Martin Luther King y la no violencia y la integración, o los argumentos de Malcom X y una identidad negra independiente, o quizás la revolución armada que defendían los Panteras Negras?
El asesinato de Martin Luther King en abril de ese año y las consiguientes revueltas callejeras hicieron que J.B. se adentrase en el terreno político. La noche después del asesinato dio un concierto muy emotivo en Boston mientras las ciudades del país ardían. Ya había aparecido en la radio tras el asesinato pidiendo que cesara la violencia, pero los disturbios continuaron al día siguiente y se tomó la decisión de televisar el concierto en directo para calmar los ánimos. La autoridad de J.B. hizo posible que el alcalde blanco de Boston consiguiera hacer un llamamiento a la paz ante un público negro absolutamente exaltado. Pero no lo dejaban hablar, querían escucharlo de un negro, querían oírlo de un descendiente de esclavos, y James Brown lo era.
J.B. no era pobre y podía haberse escondido en algún agujero, pero se puso al mando del espacio que él controlaba y mostró su posición. Su respuesta llegó con la grabación de este tema. “La mejor forma de solucionar un problema es coger lo negativo y convertirlo en positivo”, comentaba “El Padrino del Soul”. No usó la palabra “nigger” (palabro que usan los americanos para describir despectivamente a los negros) ni usó el término “de color”. Dijo: "Alto ahí! Soy negro pero no me importa". Era un slogan corto, con rítmo. "Soy negro y me alegro de serlo".
Cuando salió a la venta, se convirtió en un himno. Muchos negros no se atrevían a decirlo en voz alta y, de repente, apareció esta canción que era como una autoafirmación. Ahora podemos gritar fuerte: “Somos alguien, no gente de color, sino negros”.
(Este texto ha sido remitido para su publicación por el Reverendo Beblack, nuestro erudito colaborador y comentarista).
Esta es la última selección de 'frases memorables' de distintos comentaristas, producto de la cultura popular y de la diversidad que caracteriza este espacio, realizadas en el mes de Mayo del 2009:
"...doy gracias a dios de la disolución de los geniales Camper Van Beethoven por que de no ser asi nunca hubiesemos conocido a Cracker..." por Pepe Setzer en Cracker - Teen angst
"Que pongas precisamente mi nombre al lado de los Black crowes ha sido lo mas parecido a un orgasmo..." por Belen en Frases memorables - Abril 2009
"Esto de salir en Woody Jagger ha hecho que mi abuela esté más orgullosa de mí que cuando hice de Asterix en una obra de colegio (aunque creo que solo le gustó a ella)..." por 61 y 49 en Frases memorables - Abril 2009
"...gracias por concederme el honor de aparecer en esta lista, junto a trocitos increibles de sentido común, ironia, sabiduria y buen humor. Cuidense todos, los necesitamos!" por Scott St.James en Frases memorables - Abril 2009
"... junto con Link Wray, es uno de los guitarristas que trascienden en la historia del rock'n'roll por su estio e influencia. Seguro que me dejo a alguno, pero se pueden contar con los dedos de una oreja de Jimi Hendrix." por Diving Dwarf en en Jimi Hendrix - Purple haze
"... madre mía ,que bailes me estoy pegando en mi silla mientras escribo..." por Nuria en Pulp - Razzmatazz
"... estaban fogueados en mil y una batallas de soul electrico y rhythm´n´blues antes de que les llegara el éxito. Anda que no se habian recorrido los clubes ingleses estos chiquillos..." por Scott St.James en Ocean Colour Scene - July
"Transcurre con un ritmo melódico fabuloso, es normal que llegue, es de una beelleza sencilla que asombra, me encantan los coros finales..." por Silvo en Teenage Fanclub - Have lost it
"... los Teenage Fanclub no es ya que me alegren el día, es que salgo de casa con una de sus canciones y empiezo a fijarme que el cielo es azul o a que huelen las nubes, y eso que (juro (y perjuro)) no me he puesto una Fina y Segura en mi vida..." por 61 y 49 en Teenage Fanclub - Have lost it
"... Si Miguel Angel Julian se hubiera apellidado Redding, Cooke, Morrison o Deville, seguro que sería reconocido en este país llamado España que siempre ha tendido a desprestigiar lo autóctono..." por Jota Jota en Cool Jerks - Sweet and child
"... el soul me recuerda a otra sensación muy placentera, que no quieres que nunca acabe y cuando va a terminar ya quieres más..." por Livy en Cool Jerks - Sweet and child
"... un hombre de carne y hueso ke no vive en un pedestal como muchos otros, con una gran voz, unas grades canciones, y una gran humanidad acompañado de un GRAN CORAZON..." por Sisco en Miguel Angel Julian - Entrevista
"... les he visto en torno a ocho veces y en cada uno de ellos pierdo más líquidos a base de bailar que Kimmi Raikonen en una carrera en Dubai..." por 61 y 49 en The Sweet Vandals - The Sweet Vandals
"... un ser tocado por una varita, alguien unico... Me hubiera gustado conocerle, para que me impregnara de su especialidad." por El Rey Lagarto en Antonio Vega - Discografía
"... hoy sentí el frío de su beso en mi nuca y necesité dejarme llevar por su Azul...el de su música,sus letras,su magia,su simpleza magnética,su mirada profunda,serena,firme aunque buscadora de algo,tal vez de sí mismo..." por India en Antonio Vega - Discografía
"... "L@s que nacimos en el 70 y alrededores, nacimos todavía en una dictadura, nacha pop se formó solo 3 años después de palmar el enano. En el colegio todavía te hostiaban si no hacías la comunión, no existía internet, la radio y la tele eran monotemáticas y muy controladas. Mucha gente todavía criaba telarañas en los genitales hasta que se casaba, en las casas los padres trabajaban, prohibían y gritaban, las madres criaban, prohibían y ocultaban. El sexo, el amor, las drogas, la amistad y la libertad eran tabú salvo muy a escondidas y no existían los colegios bilingues, Los idiomas eran una maría como la gimnasia. Así que much@s crecimos emocionalmente, suponiendo que lo hayamos hecho, a través de las canciones en castellano. Y Antonio vega nos acarició la piel y los sentidos mucho antes de que nadie nos tocase en la realidad. Much@s de los que ahora a veces podemos volar en vez de quedarnos pegados al suelo por la presión de unos años de españa profunda, lo hacemos gracias a él y algun@ más. No es solo un puñado de buenas canciones, es la educación emocional de toda una generación de desubicados". por Jezabel en Antonio Vega - Discografía
"... tenía fritos a los camareros de mis garitos habituales de hace casi 20 años pidiendo ésta canción. Como era igual de cansina q ahora y bastante más zorra, me la ponían siempre..." por Jezabel en Juan Antonio Muriel - Princesa
"...es un espectáculo singular (de la RAE: Singular (Del lat. singularis). adj. solo || único en su especie) que estará disponible mientras las rodillas de El Vez no sufran fugas de líquido sinobial por la monumental sesión de aeROCKbic que nos tiene preparada..." por Diving Dwarf en El Vez - Concierto
"Hablando de profanaciones, ¿llegó a haber profanación de alguna de las Elvettes?...Descuida que me tomaré mi Frenadol de bromuro para cuando toque por estos lares..."por Diving Dwarf en El Vez - Concierto
"...El sonido, tremendo. Descarado, rebelde, lascivo... CALENTURIENTO. Esto te hace mover la pelvis...mmmm....MOLA!!..." por Ventiladorcular en Alex Chilton - Bangkok
"...encajaría perfectamente dentro de la música indie que en los últimos años está arrasando en medio mundo..." por Milhaud en Guernica - Orange and red
"...nunca me cansé de ver una chica guapa aferrada al micro mientras el resto de la banda se mataba por estar a la altura del destello femenino..." por Scott St.James en The Darling Buds - Shame on you
"Y esa portada invitando a todo dios a fornicar como depravados,esos cuerpos 10 insinuando un pre-69,o ¿post?. perdon el calor me afecta mucho..." por Tsi-Na-Pah en Queen - Body language
"Por esos años, Federico Mercurio era un Calígula con bigote, sacaba el máximo partido a los orificios nasales (y demás promontorios y/o agujeros de la anatomía humana..." por Ringo en Queen - Body language
"... mi teoria particular es que Freddy limó los colmillos de May, un auténtico rockero en esencia." por Scott St.James en Queen - Body language
"... su sonido es más que peculiar y posee una riqueza extraordinaria..." por Jaime en Supertramp - Dreamer
"Dan igual las connotaciones...todas hacen que ahora,mientras escucho por enésima vez este tema,se me llenen los ojos de lágrimas..." por India en Los Pajaros - Los Pajaros
con 26 grandísimas e inolvidables canciones de grupos tales como La Gran Esperanza Blanca, Cat Club, Doctor Divago, Armas Blancas, Fernando Garcín & M, Una Sonrisa Terrible, Julio Galcerá y Mala Seguida, Doble Zero, Glamour, Comité Cisne, La Resistencia, La Habitación Roja y Los Pájaros, cuyo nexo de unión de todas ellas es que sus textos están escritos en la lengua de Cervantes y que fueron paridas en un lugar de la Tierra llamado Valencia. Gracias. Salud y felicidad para todos. 
