.WOODY JAGGER.: marzo 2009

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martes 31 de marzo de 2009

RUSSIAN RED - (2008) I love your glasses

1.Cigarettes
2.No past land
3.They don’t believe
4.Gone, play on
5.Hold in inside
6.Nice thick feathers
7.Kis my elbow
8.Take me home
9.Walls are tired
10.Timing is crucial
11.Just like a wall
12.Girls just want to have fun

Russian Red es el proyecto de una madrileña llamada Lourdes Hernandez de 23 años. Comenzó a los 14 años tocando la guitarra por hobby. Un día cualquiera la escuchó el productor Fernando Vacas y le grabó su primera maqueta para Eureka con esa angelical y acaramelada voz, su guitarra y el nombre de un pintalabios para darle nombre artístico. Canciones pop, folk en inglés, abren este primer álbum de esta talentosa mujer que comienzan a considerarla la Björk española. Su merecido éxito ha hecho que deje momentáneamente sus estudios de traducción e interpretación y disfrute de lo que le gusta: componer, cantar y versionear buenas canciones de Cyndi Lauper, Roy Orbison o May Star.

La primera canción que abre el disco “Cigarettes” también sirve de bso a la película “Camino” de Javier Fesser, y también su canción “Another mind” ha servido en los títulos de crédito para la película “El rey de la montaña” de Gonzalo López Gallego (el cual le ha filmado alguno de sus videoclips). Es una joven que dice escuchar todo tipo de música, aunque los que realmente le apasionan son los Beatles.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

lunes 30 de marzo de 2009

WE ARE STANDARD - (2006) 3.000 v 40.000 w

1.On the floor
2.Pressure
3.The happy song
4.Love train
5.I love you
6.Txusma remix
7.Supermarket
8.Hippie
9.Frank
10.Suzanne
11.The pill song (wowee)
12.Jam 256# (Believe in yourself)
13.Sin título (tema oculto)

Deu Txakartegi: Voz, bajo
Juan Escribano: Guitarra, coros
Londonboy: Batería, teclados
Jon Aguirrezabalaga: Guitarra
Javi Letamendia: Batería, programación

Primer album debut de estos bilbaínos de Getxo, producidos por Mushroom Pillow tras ganar un concurso en radio 3 y acentuar éxito en el FIB del 2005. En idioma shakesperiano, apostando por el directo, con mucho armonía bailonga y como si se hubieran dedicado toda la vida a ello, nos regalan canciones de mucho ritmo como “On the floor”, ”Txusma Remix”, la rockera y frenética “Pressure” con un buen video de apoyo, y la balada "I love you". Un descubrimiento edisoniano que ilumina cualquier ambiente festivo para combatir el aburrimiento. Actualmente, más convencidos de lo que hacen, han pasado a llamarse de “Standard” a “WE ARE STANDARD”.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

sábado 28 de marzo de 2009

Sidney Lumet - (1975) TARDE DE PERROS

Título original: Dog Day Afternoon
Dirección: Sydney Lumet
Guión: Frank Pierson
Año: 1975
Género:Policíaca
Reparto: Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar, Penelope Allen, Beulah Garrick, James Broderick

Un atraco real a una sucursal bancaria de Brooklyn en 1972 que se convirtió en fenómeno mediático por lo ortodoxo del procedimiento. Estos hechos reales le sirvieron a Lumet y su guionista Pierson para crear su película que ganó un óscar al mejor guión.

Un robo que comienza con la deserción de uno de sus integrantes. Después en la caja fuerte apenas hay dinero, y para colmo llega la policía. El atraco que debía ser sin complicaciones se alarga toda la película, donde no cabe ni una pequeña distracción. Un golpe, donde los mismos secuestrados están a gusto con los secuestradores, donde la policía es la mala y la gente de fuera les apoyan. Grandes discursos de Sony (Al Pacino) para negociar con la policía y ganarse a la gente. Una interpretación magistral puesto que auna su nerviosismo con su condición homosexual. Un actor secundario de lujo, Seal (John Cazale), haciendo el papel del compañero atracador tímido y con una personalidad extraña y manipulable. Un peliculón que se hizo famoso también por las palabras: ¡Attica! ¡Attica!

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

viernes 27 de marzo de 2009

SOUL TELLERS - Concierto 28-3-09

Ladies & gentlemen: siguiendo nuestra línea de recomendación de actividades que consideramos interesantes, en esta ocasión es un honor y un deber inexcusable hablar de la cita que tendrá lugar el próximo sábado 28 de marzo del 2009 a partir de las 21:00 horas en el Centro Cultural Tivoli de Burjassot (Valencia). Se trata de SOUL TELLERS, ese último proyecto de Miguel Angel Julian después de los míticos Cool Jerks, en concierto acústico. Es pues una cita ineludible con el mejor y más inconfundible soul que se ha creado en España. Acompañados como maestro de ceremonias por Jose María Rey, quien al término del concierto realizará una sesión de Dj, todo ello con la Colaboración de Radio 3. Es por lo que induce a pensar en una fiesta de ley por todo lo grande. SOUL TELLERS, canela en rama.

jueves 26 de marzo de 2009

THE GODFATHERS - (1992) Dope, rock 'n' roll and fucking in the streets (live)

1. Birth, School, Work Death 2. She Gives Me Love 3. Unreal World 4. I Don't Believe In You 5. Drag Me Down Again 6. When Am I Coming Down 7. Obsession 8. I Love What's Happening To Me 9. If I Only Had Time 10. Lonely Man 11. Don't Let Me Down 12. I Want Everything 13. Cause I Said So 14. This Damn Nation 15. This Is War 16. Cold Turkey 17. Walking Talking Johnny Cash Blues 18. This Is Your Life 19. King of Misery 20. Blitzkrieg Bop

Peter Coyne: Vocals
Chris Coyne: Bass, Vocals
Mike Gibson: Guitar, Vocals
Chris Burrows: Guitar, Vocals
Ali Byworth: Drums

¿Cuál es el grupo favorito de rock que más te ha hecho vibrar y mejores recuerdos quedan de sus conciertos en directo? Pregunta de difícil contestación si has asistido a múltiples eventos de esas características, y muy subjetiva ya que admite gran variedad de respuestas. Supongo que muchos elegirían a los Rolling Stones, otros tantos a AC/DC, otros a los Ramones, otros a U2, otros a los Rem, otros a... Como para gustos no hay suficientes colores, y ya que prefiero los conciertos de pequeño o medio aforo, me decantaría por... los GODFATHERS, una de las mejores bandas de la historia del rock británico, con conciertos demoledores en los que confluyen sobredosis de rock&roll, garage, punk y surf-rock, acercando la actitud y el espíritu de los Ramones, los Who o los Pistols a las ilustrantes buenas maneras de Johnny Cash, Chuck Berry o Dick Dale. Con una puesta en escena muy carismática, ataviados con trajes y repartiendo chulería simpática sin llegar a la soberbia o altivez, sus guitarras siempre reparten estopa para el absoluto deleite de todo el personal.

Prueba de todo ello es este álbum que contiene el directo realizado el 14 de febrero de 1992 en Londres, día de San Valentín y fecha tradicionalmente escogida por “Los Padrinos” para realizar su imprescindible concierto anual dedicado al susodicho beato y a lo que conlleva esa conmemoración dentro del consumismo de la sociedad capitalista, todo ello desde una perspectiva filosófica de tendencia mordazmente nihilista.

Con un título tremendamente sugerente en el que juegan con la mítica consigna de “Sexo, drogas y rock&roll” que popularizaron los Rolling Stones a finales de los 60 tras la muerte de Brian Jones, en “DOPE, ROCK’N’ROLL AND FUCKING IN THE STREETS” se reúne gran parte de lo mejor de un repertorio enérgico y consistente. Así, de su genial álbum de debut titulado “Hit by hit” se incluyen cuatro trallazos del calibre de “LONELY MAN”, “I WANT EVERYTHING”, “THIS DAMN NATION” o el “COLD TURKEY” de John Lennon en una espectacular lectura de ese mítico retrato del síndrome de abstinencia provocado por las drogas. Además, de aquella obra maestra que fue su segundo álbum se recoge “BIRTH, SCHOOL, WORK, DEATH”, el himno del mayor de los escepticismos sobre el transcurso de la vida y que daba título al mencionado Lp, así como ese obús de psicodelia rockera con guiños al maestro Hendrix titulado “WHEN I COMING DOWN” y destacados temas de corte garagero como “OBSESSION”, “IF I ONLY HAD TIME”, o “CAUSE I SAID SO”. Asimismo, del tercer album titulado “More songs about love and hate” decantaron como elecciones para la causa temas como el portentoso “SHE GIVES ME LOVE”, la preciosista “I DON’T BELIEVE IN YOU” o la rock&rolera “WALKING TALKING JOHNNY CASH BLUES”. El resto de temas pertenece al cuarto álbum titulado “UNREAL WORLD”, donde se pierde un poco esa atractiva magia de su primera trilogía pero del que todavía cabe destacar por mérito propio esa perla oculta titulada “THIS IS YOUR LIFE”. Por último, como plato fuerte de su directo, y a fin de dejar un buen sabor de boca al oyente, se cierra el disco al grito de “Hey ho, let’s go” perteneciente al legendario “BLITZKRIEG BOP” ramoniano. Como debe de ser.

A pesar de tan suculento compendio de canciones, no se incluyen en este directo una veintena más de sobresalientes temas dentro de la imprescindible discografía de los siempre reivindicables Godfathers. Ojalá todos los años celebrásemos con los Godfathers el día de San Valentín, pero también el día de San Antonio, el de San Jeremías, el de San Juan, el de San Alvaro o el día de Todos los Santos.

miércoles 25 de marzo de 2009

RAMONES - (1979) It's alive (live '77)

1. Rockaway Beach 2. Teenage Lobotomy 3. Blitzkrieg Bop 4. I Wanna Be Well 5. Glad to See You Go 6. Gimme Gimme Shock Treatment 7. You're Gonna Kill That Girl 8. I Don't Care 9. Sheena Is a Punk Rocker 10. Havana Affair 11. Commando 12. Here Today, Gone Tomorrow 13. Surfin' Bird 14. Cretin Hop 15. Listen To My Heart 16. California Sun 17. I Don't Wanna Walk Around With You 18. Pinhead 19. Do You Wanna Dance? 20. Chain Saw 21. Today Your Love, Tomorrow the World 22. I Wanna Be a Good Boy 23. Judy Is a Punk 24. Suzy Is a Headbanger 25. Let's Dance 26. Oh Oh I Love Her So 27. Now I Wanna Sniff Some Glue 28. We're a Happy Family

Joey Ramone [Jeffry Ross Hyman] (vocals)
Johnny Ramone [John Cummings] (guitar)
Dee Dee Ramone [Douglas Glenn Colvin] (bass, vocals)
Tommy Ramone [Tamás "Thomas" Erdélyi] (drums)

One, two, three, four. Los RAMONES fueron los más simples. One, two, three, four. Los Ramones no querían virtuosismos. One, two, three, four. El sonido inicial de los Ramones ya se había practicado en el Neolítico. One, two, three, four. Su imagen se fraguó en las peluquerías y tiendas de moda más lujosas de New York. One, two, three, four. En los directos de los Ramones no había tiempo para el descanso. One, two, three, four. “IT’S ALIVE” fue el primer disco en directo de los Ramones. One, two, three, four. Se trata del concierto realizado el último día del año 1977 en el Teatro Rainbow de Londres. One, two, three, four. Se publicó en 1979. One, two, three, four. En “It’s alive” se recogen los temas de su genial y espectacular primera trilogía. One, two, three, four. En su primer album homónimo todo giró en torno a “Hey ho, let’s go”. One, two, three, four. En “Leave home” no avanzaron mucho más. One, two, three, four. En “Rocket to Russia” continuaron en la misma línea. One, two, three, four. Este disco en directo es la hostia. One, two, three, four. Quien ha visto en directo a los Ramones sabe de lo que estoy hablando. One, two, three, four. Viva el punk de los Ramones. One, two, three, four. Bye, Bye.

martes 24 de marzo de 2009

UNA SONRISA TERRIBLE - Concierto 27-3-09

El viernes 27 de marzo del 2009, a partir de las 22:30 horas, hay una cita con el grupo valenciano Una Sonrisa Terrible en el garito de La Edad de Oro, sito en C/ San Jacinto, 3 de Valencia, donde interpretarán algunas de las canciones incluidas en su último trabajo "Mientras la orquesta sigue tocando". Ese mismo día Néstor Mir y Las Potencias del Este presentarán su nuevo disco "La Nuit Subatomique". Como fin de fiesta Eduardo Guillot Dj. El precio de la entrada única es de 5 eurillos.

lunes 23 de marzo de 2009

THE WATERBOYS - (1998) The live adventures of The Waterboys (live '86)

1. Death Is Not The End 2. The Earth Only Endures 3. Medicine Bow 4. Fisherman's Blues 5. This Is The Sea 6. Meet Me At The Station 7. We Will Not Be Lovers 8. The Wayward Wind 9. A Girl Called Johnny 10. Purple Rain 11. Be My Enemy 12. Old England 13. The Thrill Is Gone/And the Healing Has Begun 14. The Pan Within/Because The Night 15. The Whole Of The Moon 16. Spirit 17. Savage Earth Heart 18. Saints And Angels

Mike Scott (vocals, guitar, piano)
Anthony Thistlethwaite (saxophone)
Karl Wallinger (keyboards, bass)
Kevin Wilkinson (drums)
Steve Wickham & Marek Lipski (violins)
Roddy Lorimer (trumpet)
Martin Swain (bass guitar)

En el año 1998 se publicaron por fin con carácter oficial aquellas aventuras en directo del escocés Mike Scott y sus WATERBOYS, pertenecientes a los legendarios conciertos en directo que realizaron durante el año 1986 en Glastonbury (recogido en el álbum pirata “A golden day”) y en Irlanda, Escocia, Inglaterra y Holanda (recogido en el álbum pirata “Born to be together”), los cuales circulaban como piezas muy codiciadas entre los seguidores de este grupo.

Es en estas grabaciones en directo donde se encuentran los momentos claves de una banda en unos tiempos en los que estuvieron al borde de resultar la gran alternativa comercial de grupos como U2, Simple Minds o The Cure, una alternativa que se fue diluyendo debido a la integridad de su líder a la hora de mantenerse fiel a unos principios claramente enfocados al respeto de sus influencias con la consiguiente renuncia de sustanciosos intereses materiales, pero que a largo plazo generó un peso específico en el perpetuo reconocimiento tanto de crítica como de gran legión de admiradores.

Tremendamente innovadores en su primera trilogía, al estilo de los WATERBOYS (por cierto, nombre procedente de cierta frase que aparece en el berlinesco “The kids” de Lou Reed) se le acuñó un nuevo término por parte de la crítica especializada británica llamado “Big music”. De su primer álbum homónimo aparecen en este directo temas como la majestuosa “SAVAGE EARTH HEART” o la maravillosa “A GIRL CALLED JOHNNY” dedicada a Patti Smith, una de las grandes influencias del Sr. Scott. Del siguiente álbum “A pagan place”, donde inciden más detalladamente en una nueva visión del folk-rock, se incluye “THE THRILL IS GONE” (adornada en un medley con esa especie de monólogo de Van Morrison titulado “AND THE HEALING HAS BEGUN”), además de una adaptación del clásico tradicional “THE EARTH ONLY ENDURES”, ya publicado por la banda de forma inédita como cara b del single “The big music”. Asimismo, del “This is the sea”, la que es considerada para muchos (entre los que me incluyo) una de las grandes obras maestras de la década ochentera, se rescatan el trallazo “MEDICINE BOW”, las épicas “BE MY ENEMY” y “OLD ENGLAND”, la sugestiva “SPIRIT” con su exquisito piano, el super éxito “THE WHOLE OF THE MOON”, y la que es a mi juicio esa gran joya llamada “THE PAN WITHIN”, himno entre los himnos, maravillosa canción dedicada al dios griego Pan, dios del pastoreo, de la música como baja pasión humana y del sexo desenfrenado, un tema que acostumbraban a enlazarlo con el mítico “BECAUSE THE NIGHT” de Patti Smith y Bruce Springsteeen en una especie de medley apoteósico que adquiere una intensidad grandilocuente con especial mención para el soberbio y alargado solo de guitarra que arrastra a la susodicha canción hacia el mismísimo Olimpo de los dioses más clásicos. “Consejo imprescindible: escuchen completa esta versión de más de 8 minutos con volumen considerable, y déjense llevar por el frenesí”.

Después, versiones como “DEATH IS NOT THE END” de Bob Dylan, utilizado para abrir este álbum en directo, “THE WAYWARD WIND”, clásico de los 50 pasado por la varita mágica de otra de las grandes influencias de los Waterboys como es Neil Young, y el mítico “PURPLE RAIN” de Prince, se unen a esa evolución que comenzaba a vislumbrarse en la banda de Mike Scott de exhaustiva investigación de las raíces irlandesas, y que se demostraría con el grán éxito del posterior “FISHERMAN’S BLUES”, u otras grabaciones del mismo como “WE WILL NOT BE LOVERS”, “SAINTS AND ANGELS” o el tradicional country “MEET ME AT THE STATION”. En resumen, un álbum imprescindible que recoge las maravillosas aventuras en directo de los primeros Waterboys.

Robert Wise - (1971) LA AMENAZA DE ANDROMEDA

Título original: The Andromeda Strain
Dirección: Robert Wise
Guión: Nelson Gidding
País: EE.UU.
Año: 1971
Género: Ciencia ficción
Reparto: Arthur Hill, David Wayne, Kate Reid, James Olson, Paula Kelly, George Mitchell, Ramon Bieri

Una joya de la ciencia ficción basada en la novela de Michael Crichton. Este film nos muestra los miedos y maniobras secretas realizadas por grandes potencias (años 60 y 70) combinando el final de la guerra fría con la amenaza de vida exterior y el deseo de EE.UU. de ser usado en su propio beneficio. La amenaza nuclear hace que se busquen otras armas alternativas, químicas o bacteriológicas. Así, un pueblecito de California sufre la repentina muerte de sus habitantes. Se da una alerta mundial y se agrupan a los mejores científicos para tratar de averiguar la causa y por qué. Al poco tiempo identifican a Andrómeda, una célula verde extraterrestre formada por cristales que se transmite por el aire y muta excepto en ambientes muy ácidos o básicos.

Se crea una atmósfera de tensión e intriga muy agradable de ver. De estética futurista que muestra en un buen guión cómo se puede hacer ciencia ficción sin necesidad de grandes explosiones ni efectos especiales, destacando los imponentes ordenadores y sofisticada tecnología cuando internet no existía para el común de los mortales.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

domingo 22 de marzo de 2009

Michael Anderson - (1976) LA FUGA DE LOGAN

Título original: Logan’s run
Dirección: Michael Anderson
Guión: David Zelag Goodman
País: EE.UU.
Año: 1976
Género: Ciencia ficción
Reparto: Michael York, Richard Jordan, Peter Ustinov, Jenny Agutter, Roscoe Lee Browne, Farrah Fawcett

Basada en la novela de William F.Nolan y George Clayton Johnson. En el año 2274, unas enormes cúpulas, denominadas cuadrantes cubren las ciudades por miedo al desastre ecológico. En la ciudad futurista todos los habitantes de más de 30 años perderán el cristal que destella de su mano, debiéndose renovar en el llamado “Carrusel”. Realmente es un asesinato conjunto en medio de un público encantado con el fin de que su existencia evite la superpoblación. Logan es un vigilante cuya misión es controlar a los fugitivos que no quieren someterse al "carrusel" y hallar la morada de dichos proscritos, llamada “santuario”. Se da cuenta que es diferente al resto, y en ese afán de curiosidad, se da cuenta de las contradicciones que le rodean preguntándose sobre su propia existencia.

Estética futurista de los años 60, acompañada de una bso electrónica de Jerry Goldsmith. Película anterior a la de grandes efectos especiales como Star Wars, y que sirvió de lanzadera a films como La Isla.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

sábado 21 de marzo de 2009

MADNESS - (1979) One step beyond (single)

1. One step beyond
2. Mistakes

Graham McPherson ‘Suggs’ (voz)
Mark Bedford (bajo)
Mike Barson (teclados, voces)
Chris Foreman (guitarra)
Lee Thompson (saxofón, voces)
Chas Smash (trompeta, voces)
Dan Woodgate (bateria)

Año 1979. El punk se había esfumado casi por arte de magia pero su poso había calado incluso hasta en los cimientos de la cultura popular. Su importancia había quedado plenamente evidenciada y contrastada. Así, de la esencia de su actitud y espíritu nacerían multitud de ramificaciones injertadas con otros estilos. A finales de los 70 y durante los primeros 80, los inmigrantes jamaicanos llevarían a Inglaterra el ska, género musical que durante las décadas de los 50 y de los 60 mezcló la musica negra americana y los ritmos caribeños, habiendo sido incluso precursor del reggae. De la colisión del ska con el punk en plena new wave nacería un nuevo revival ska, con sonido más rápido y desenfadado, y de tendencias antirracistas e inconformistas. Entre sus principales valedores, y como tributo al artista jamaicano Prince Buster, entró en escena el grupo MADNESS.

Así, con una consigna clara y precisa, había que parar el reloj del tiempo y dar un paso más allá. Entonces, con un colorismo desbordante producto del ecléctico saxo de Lee Thompson y apropiándose de la expresión “Hey you!”, el mundo pudo bailar hasta la locura sin desfallecer, y clamando sin pudor alguno: ¡¡¡ONE STEP BEYOND!!!

viernes 20 de marzo de 2009

THE CURE - (1979) Three imaginary boys

1. 10.15 Saturday Night
2. Accuracy
3. Grinding Halt
4. Another Day
5. Object
6. Subway Song
7. Foxy Lady
8. Meat Hook
9. So What
10. Fire in Cairo
11. It's Not You
12. Three Imaginary Boys
13. The Weedy Burton

Robert Smith: Guitarra, Voz
Michael Dempsey: Bajo, Voz (en "Foxy Lady")
Laurence Tolhurst: Batería
Porl Thompson: Guitarra
Matthieu Hartley: Sintetizador

Antes de desmarcarse como los grandes abanderados de las tendencias siniestras del postpunk, THE CURE, todavía bajo la influencia de sus anteriores trabajos bajo el nombre de Cult Hero o de las maquetas de Easy Cure, publicaron en 1979 una serie de singles y un primer álbum titulado “THREE IMAGINARY BOYS”. Con un estilo cercano al powerpop y a la new wave, y alejado de la posterior evolución de esta banda, este álbum contiene una auténtica colección de perlas donde impera el eclecticismo, la frescura y la rapidez, todo ello a base de estribillos pegadizos aunque nada cansinos y embaucadoras guitarras. El resultado final fue una obra considerablemente compacta. Un año después se reeditaría en Estados Unidos bajo el título de “Boys don’t cry”, donde variaron de forma notable la inclusión de canciones, incidiendo especialmente en recopilar esos primeros singles.

Entre todos los temas inmersos en “Three imaginary boys” destaca por mérito propio la genuina “10:15 SATURDAY NIGHT”. Ello no desmerece los trallazos poperos como “OBJECT”, “SO WHAT” o “IT’S NOT YOU”, el pop-rock contagioso de tiempos medios como “ACCURACY”, “GRINDING HALT”, “ANOTHER DAY”, “FIRE IN CAIRO” o “THREE IMAGINARY BOYS”, o los guiños jazzísticos u oscuros como “MEET HOOK” o “SUBWAY SONG” respectivamente. Asimismo, y como anécdota, es de especial mención una versión muy particular del “FOXY LADY” de Jimi Hendrix, única canción de los Cure no cantada por Robert Smith e interpretada para la ocasión por el bajista Michael Dempsey. Otra de las curiosidades del viejo vinilo fue que no contenía los títulos de los temas que lo integraban, aunque en la promoción del mismo se conocía el nombre de todos con la salvedad de ese último tema instrumental, denominado entre los seguidores de la banda como “THE WEEDY BURTON” y considerado de forma oficial como tal en la posterior reedición digital del álbum. En definitiva, un disco de unos iniciados adolescentes llamados The Cure. Ojalá la mitad de discos de debut de adolescentes inquietos resultaran la mitad de interesantes que este “Three imaginary boys”.

miércoles 18 de marzo de 2009

U2 - (1987) I still haven't found what i'm looking for (maxi-single)

1. I Still Haven't Found What I'm Looking For
2. Spanish Eyes
3. Deep in the Heart

Bono (vocals)
The Edge (guitar, keyboards)
Adam Clayton (bass)
Larry Mullen (drums)

Mantenerse con cierto nivel en lo más alto de la música sin caer en la vulgar comercialidad basada en los intereses materiales y su consecuente desaparición de originalidad, resulta una tarea harto difícil. A unos y a otros, más tarde o más temprano, y salvo rara excepción, el éxito pasa factura. Antes de ello, y a lo largo de toda la década de los 80, el grupo irlandés U2 fraguó una discografía donde supieron mantener el perfecto equilibrio entre calidad y ventas, llegando al punto más alto con la publicación de su quinto Lp de estudio titulado “The Joshua tree” en el año 1987.

De dicho álbum, considerado casi con toda seguridad para la gran mayoría como el mejor disco de U2 y quizás de los 80 (en mi caso, y sin restarle el más mínimo mérito, decanto antes mis preferencias por la homogeneidad de “War”, e incluso de “The unforgettable fire”) se extrajeron varios singles que se convirtieron en grandes éxitos. Entre ellos destaca este “I STILL HAVEN'T FOUND WHAT I'M LOOKING FOR”, un tema que sigue ciertos parámetros musicales marcados con el tema “Bad” de su anterior álbum, en el que el carisma y las dotes vocálicas de su líder Bono adquieren niveles inusitados con regusto incluso a gospel, y donde los otros tres miembros de la banda consiguen con sus respectivos instrumentos una perfecta y genuina sintonía. Además, se percibía en él cierta sensación de que el sonido de U2 podría haber hallado una certera vía de evolución dirigida hacia las raíces americanas. Asimismo, acompañando a este tema en el single se hallaba “SPANISH EYES”, no incluso en el susodicho “The Joshua three” pero de gran éxito en España por sus claras referencias, por su exquisita riqueza épica y porque por supuesto todavía contenía la esencia de los mejores años de U2.

martes 17 de marzo de 2009

KILLING JOKE - (1985) Love like blood (maxi-single)

1. Love like blood (version)
2. Love like blood
3. Blue feather (version)
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1. Love like blood (gestalt mix)
2. Blue feather (version)

Jaz Coleman (lead vocals, keyboards)
Paul Ferguson (drums, vocals)
Kenneth "Geordie" Walker (guitar)
Paul Raven (bass)

Si tuviera que elegir cinco canciones del post-punk, no dudaria ni un instante en que “LOVE LIKE BLOOD” de los KILLING JOKE formara parte de ese elenco. Si tuviera que utilizar un calificativo para definirla me dejaría llevar por la pasión y llegaría a afirmar que dentro de su estilo roza a mi juicio la perfección.

Este tema es sin lugar a dudas el más representativo de esta banda británica, sirviendo como gran parte de su discografía de gran referente del posteriormente etiquetado rock industrial, aunque su influencia abarca incluso a grupos grunge como Nirvana u otros de hard rock como Metallica, e incluso a The Cult en esas remezclas dub que practicaban con gran acierto.

“Love like blood” se incluyó en el quinto álbum de los Killing Joke titulado “Night time”, probablemente el más exitoso de esta banda y, aunque se pierde en cierto modo el carácter innovador, enérgico y combativo de sus primeras grabaciones, todavía prevalecen los sonidos épicos e hipnóticos con sus habituales líneas de bajo intensas, las guitarras metálicamente desgarradoras, los teclados de tintes góticos, y sobre todo esos típicos tratamientos salvajes y tribales del sistema percusivo que tanto caracterizaron al grupo en cuestión, los cuales también aparecen de forma brillante en la versión “gestalt mix” o en la inédita “Blue feather”.

lunes 16 de marzo de 2009

ECHO & THE BUNNYMEN - (1983) The cutter (maxi-single)

1. The Cutter
2. Way Out and Up We Go
3. Zimbo (live)

Ian McCulloch (vocals, guitar)
Will Sergeant (guitar)
Les Pattinson (bass)
Pete de Freitas (drums)

Tras ese comienzo con cierto aire indo-oriental que se repite casi con milimétrica uniformidad, una línea profundamente marcada de bajo cede paso a la carismática y “morrisiana” voz de Ian McCulloch, a la que parecen contestar esos toques de guitarra en perfecta armonía y que aportan gran consistencia y espectacularidad a “THE CUTTER”, alcanzando los momentos más álgidos cuando en la versión de estudio los teclados simulan instrumentos de viento en una especie de éxtasis épico.

“The cutter” es uno de los temas estrella de ECHO AND THE BUNNYMEN, incluido en el tercer álbum de esta banda de Liverpool titulado “Porcupine”. Se trata de la canción que mejor representa esa especie de transición entre la originalidad hipnótica de “Crocodiles” o “Heaven up here”, y la adornación instrumental del “Ocean rain”. A destacar también la admirable versión en directo de “Zimbo”, el otro título por el que se conocía a la sugestiva “All my colours”, y que se recogía en la cara b de este maxisingle.

domingo 15 de marzo de 2009

Robert Wiene - (1920) EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari
Dirección: Robert Wiene
Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz
País: Alemania
Año: 1920
Género: Drama/Terror

Reparto: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Rudolf KleinRogge, Hans Heinz von Tawardowski

El expresionismo alemán de marcado carácter revolucionario fue una manera de sentir el mundo. Fue una corriente influenciada por Nietzsche y que se oponía al positivismo. En su estética destaca la angustia, el terror, la miseria, la opresión. A pesar de ser una película muda, la tipografía de las letras ya es un arte. Las perspectivas fugadas, las diagonales, los blancos y negros, luces y sombras, los planos que se abalanzan sobre el espectador, el tétrico maquillaje y vestimenta, etc. El expresionismo alcanza la mayoría de edad con "EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI".

La película comienza con una historia que le ocurrió a Francis y que le cuenta a su compañero: Francis convence a su compañero Alan para ir a ver la feria ambulante que ha llegado a su ciudad en Holwstenwall. Paralelamente el Dr.Caligari (Werner Krauss) pide los permisos municipales para poder instalar su puesto en la feria, aunque no obtiene más que un rechazo social, y casualmente al día siguiente el empleado municipal aparece asesinado. Ese día el Dr.Caligari presenta su función con un sonámbulo llamado Césare (Conrad Veidt) que predice el futuro, y precisamente vaticina el de Alan, “que durará solo hasta el amanecer”. Efectivamente Alan muere asesinado y todos apuntan inicialmente a un maleante, pero más tarde se dan cuenta que solo puede ser un asesino en serie de nombre Césare.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

sábado 14 de marzo de 2009

GREEN ON RED - (1985) No free lunch

1. Time Ain't Nothing
2. Honest Man
3. Ballad of Guy Fawkes
4. No Free Lunch
5. (Gee Ain't It Funny How) How Time Slips Away
6. Jimmy Boy
7. Keep on Moving
8. Smokestack Lightning

Dan Stuart: voz
Jack Waterson: bajo
Chris Cacavas: teclados
Chuck Prophet: guitarra
Alex McNicol: batería

Dentro de la devoción que siento por el llamado Nuevo Rock Americano de los 80, considero a GREEN ON RED posiblemente como una de las mejores bandas de este movimiento. Su creación data de finales de los 70, pero no fue hasta 1981 cuando publicaron su primer Ep llamado "Two Bibles". Despues de dos discos más, aparece "Gas food lodging" en 1985, y con él se dieron a conocer en USA. Gracias a dicho trabajo fueron fichados por Mercury y se desplazaron a Londres para grabar el disco que estamos tratando, y titulado "NO FREE LUNCH". Este nuevo trabajo de esta banda de Arizona no tiene desperdicio. Con grandes toques sesenteros, realizan un rock sencillo que no te deja indiferente, sonando incluso a psico-garage.

Desde aquí me atrevo a realizar una reflexión en voz alta que siempre he pensado: si estos chicos hubieran caido en manos de un buen productor, me gustaria saber donde estarían los famosos R.E.M (otra de mis bandas favoritas, sobre todo en sus comienzos). Para que nos hagamos una idea, este trabajo está a la altura de "Fables of the reconstruccion" (uno de mis favoritos de REM) y son de la misma época de Dream Syndicate, Jason and the scorchers, Long Ryders, etc. De este disco destaco por encima de todas "TIME AIN'T NOTHING", donde la mezcla entre el country y el rock es palpable, con esa forma de acabar las frases cantando por la nariz que le da un toque vaquero y rockero a la vez. Además, el quinto tema es una versión de Willie Nelson titulada " Funny how time sleeps away", que tampoco tiene desperdicio. En general, disco para tener sin tipo de excusa.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Voro, nuestro colaborador alternativo).

viernes 13 de marzo de 2009

Ramon Manzaneda (INDIVIDUAL) - Entrevista

Continuamos con el apartado dedicado a las entrevistas a personajes alternativos relacionados con el mundo de la música y que consideramos puedan resultar interesantes para el lector. Hoy en nuestra "nave de entrevistas" tenemos a RAMON MANZANEDA, guitarra del grupo valenciano INDIVIDUAL.

1. ¿Por qué el nombre de Individual? ¿Cuáles son los orígenes de la banda?
El nombre del grupo surgió de una manera un tanto espontánea, casi por casualidad entre una terna de nombres a cual de todos menos convincente. Con el tiempo le hemos ido cogiendo cariño e, incluso, le hemos encontrado significados que en un principio se nos pasaron por alto. Es bastante ambiguo; se escribe igual en inglés que en castellano; tiene connotaciones de independiente, de original…
Los orígenes de la banda datan de 2001. Su creación responde al objetivo de desarrollar las inquietudes musicales de sus miembros, pasarlo bien, etc. nada distinto al propósito de cualquier otro grupo.

2. ¿Belle & Sebastian o Feelies? Son las primeras referencias que me vienen a la cabeza al escuchar Individual. Creo que las dos referencias son acertadas en tanto en cuanto nuestra orientación musical siempre ha estado marcada por el rock de guitarras de vocación pop; no obstante, si tuviéramos que elegir la decisión estaría clara: The Feelies. En todo caso, no deja de ser un halago que nos comparen con cualquiera de los dos grupos citados.

3. ¿Cómo surge “Fantastic smile”? Háblame de este álbum. La posibilidad de editar el disco surgió a raíz de vencer en 2007 el Concurso de maquetas que organiza el Festival Contempopranea. Junk Records, ya había mostrado un interés en nosotros cerca de un año antes, pero la cosa se había enfriado. Aprovechando el tirón por el galardón obtenido, en julio de ese año nos reunimos en Madrid con los responsables del sello y pactamos las condiciones de edición. La grabación se llevó a cabo en enero de 2008 en los Estudios Tigruss de Gandía; la mezcla y masterización corrió a cargo de Matthew Barnhart en The Echo Lab, Texas. Finalmente el disco se editó en el mes de junio y desde entonces, a pesar de la escasa o nula promoción que ha tenido por parte de Junk Records, sello a la postre desaparecido, las críticas recibidas y reacciones de la gente que lo ha escuchado han sido muy positivas.

4. Mis canciones preferidas de Individual son “Think to the smile”,”We can do it”, “The hell is yours” o “The glow”. ¿Coincido con muchos seguidores vuestros? Pues sí, más o menos, aunque sobre gustos no hay nada escrito. Si sirve de algo, la canción que da título al disco es “Kind, not fantastic”, por lo que te puedes imaginar las preferencias del grupo.

5. ¿Crees que las nuevas generaciones valoran en su justa medida los conciertos de pop/rock en directo así como la actividad creativa de los artistas, o se está produciendo una excesiva saturación de información?

En mi modesta opinión la saturación de la que tú hablas se da, sobre todo, en el ámbito de la edición de discos. Cada año se publican más y más discos; no obstante no creo que sea algo negativo: es lo que se ha denominado la democratización de la música. Cualquiera en su casa puede grabar algo decente con un ordenador y colgarlo en Internet. Este ritmo vertiginoso ha hecho que resulte muy difícil calibrar la trayectoria de un artista o grupo; muchos nacen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos. Por ende, nadie se para a escuchar los discos como sí se hacía en los tiempos en los que la economía doméstica sólo te permitía acceder a unos pocos. Las escuchas son superficiales, con lo que el concepto de álbum se pierde en detrimento de la canción. Aún así, y pese a que echo de menos aquellos tiempos no te voy a negar que el auge del mp3 me ha permitido, a mí como a muchos, conocer grupos y artistas que de otro modo nunca hubiera conocido. Así que, en cierto modo, puedo sentirme un privilegiado por haber conocido el antes y el después de la revolución digital; o lo que viene a ser el auge y caída de la industria discográfica.

6. Se habla de vosotros como una de las firmes promesas del pop alternativo independiente nacional. ¿Qué opinas?

Me parece un poco exagerado, no obstante si hay gente que opine eso de nosotros pues genial. Desde luego es un incentivo para seguir apostando por este proyecto.

7. ¿Habrá Individual en castellano?

Es algo que sólo el tiempo dirá, pero a día de hoy parece poco probable; alguna vez lo hemos intentado pero no nos ha gustado el resultado. No obstante, no nos cerramos la puerta a esa posibilidad.

8. Proyectos a corto, medio o largo plazo.

Pues a corto plazo estaría tocar, para ver si así le podemos dar un nuevo empujón al grupo. En este sentido tenemos la suerte de estar respaldados por Absolute Beginners que desde hace un par de meses se encarga del management de la banda. El medio y largo plazo pasan por grabar un segundo disco, aunque parafraseando a los Beach Boys “God only knows”.

9. ¿Qué te parece el blog de Woody Jagger?

Pues por un lado, y tras las no pocas ocasiones en que le he echado un ojo, valoro la amplitud de miras de los temas que se tratan; los manifiestos conocimientos musicales que quedan patentes no solo con la selección de los artistas sino con los comentarios que se hacen de los mismos y sus obras;

y, por encima de todo, el enfoque respetuoso hacia los grupos, artistas, cineastas, etc. de los que se da cuenta en el blog. Para que no todo sean halagos, el diseño resulta un tanto austero; no obstante las virtudes antedichas suplen con creces esa carencia. Y ya en plan de coña yo hubiera preferido un Woody Richards, aunque reconozco que la sonoridad del nombre se iría al garete.

10-. Recomiéndanos algún grupo o álbum que consideres interesante.

Pues el último disco que me ha causado una buenísima impresión es el de Akron/Family “Set’em wild, set’em free” que apenas se acaba de publicar. Otro de los discos que estoy disfrutando sin reservas es el “Hold Time” de M.Ward, un grande. Y aunque tengo que escucharlo un poco más también recomendaría el de Julie Doiron “I can wonder what you did with your day”, en la primera escucha me dejó impresionado.

Agradecer a RAMON MANZANEDA la deferencia que ha tenido de mantener la presente entrevista para el blog de Woody Jagger, desde donde estaremos atentos a cualquier novedad de INDIVIDUAL, grupo al que tenemos en gran estima después de su excelente álbum de debut "Fantastic smile", localizable en su interesante espacio www.myspace.com/individualss o en el siguiente email: individualsmail@yahoo.es. Contratación y management: J. de Santos, Absolute Beginners: management@absolutebeginners.es

jueves 12 de marzo de 2009

JONATHAN RICHMAN – Concierto 13-3-09

Siguiendo en nuestro apartado de recomendación de actividades que consideramos interesantes, nos encontramos esta vez con un evento necesario por su gran aporte de equilibrio vital. Es por ello, por lo que más de uno anda pletórico y radiante de pensar que el próximo viernes 13 de marzo del 2009, a partir de las 22'30 horas, en la sala Wah-Wah sita en la C/ Campoamor 52-54 de Valencia, actúa uno de las leyendas vivas del rock. Hablamos de JONATHAN RICHMAN. El precio de la entrada asciende a la moderada cantidad de 15 eurillos si se compra anticipada.

En esta gira presenta su último disco “A qué venimos sino a caer?”, una colección que recopila algunos temas de sus últimos cinco años junto con otros nuevos. En total, doce perlas, siete de las cuales cantadas en español, dos en frances, dos en italiano y una en ingles. Como viene siendo habitual en los últimos tiempos irá acompañado del baterista Tommy Larkins.

Para quien no conozca a Jonathan Richman recordaremos que fue el primero en recuperar la imprescindible esencia de la Velvet Underground con sus geniales Modern Lovers para adentrarse después en las raices del rock&roll a lo Buddy Holly y convertirse posteriormente en un trovador inclasificable con cierta onda crooner a lo Frank Sinatra. Influyente como pocos y desconocido para muchos, que no quepa la menor duda que la cara más simpática y alegre de la historia del rock es la de JONATHAN RICHMAN. ¡Forever Richman!

miércoles 11 de marzo de 2009

THE FEELIES - (1988) Away (maxi-single)

1. Away (album version)
2. Away (edit)
3. Dancing barefoot

Bill Million (guitar, vocals)
Glenn Mercer (guitar, vocals)
Dave Weckerman (percussion, drums)
Stanley Demeski (percussion, drums)
Brenda Sauter (bass, vocals)

Pioneros del llamado rock alternativo americano que en la década de los 80 combinó influencias del folk y del punk y que sobre todo actuó de revulsivo y resucitador del legado velvetiano, los FEELIES (nombre procedente de los cines virtuales que aparecían en “Un mundo feliz”, la mítica novela de Aldous Huxley) facturaron una discografía escasa pero imprescindible. Se caracterizaron por una producción propia con uso de dos guitarras y un universo único y genuino.

Su tercer trabajo titulado “Only life” es a mi juicio una de las desconocidas obras maestras de la década de los 80, donde esta banda de New Jersey se afianzaba totalmente en la recuperación de ese sonido procedente de las cavernas velvetianas pero con claros influjos de aquella interesante vía que abrió Jonathan Richman con sus Modern Lovers en los setenta, la cual serviría de fuente de inspiración y de gran referente a posteriores generaciones, incluido el mismísimo Lou Reed en esa otra gran obra titulada “New York” de 1989.

El primer single que apareció del antes referenciado “Only life” fue este “AWAY”, soberbio tema cuya intensidad melódica adquiere vertiginosa velocidad, con un tratamiento percusivo que recuerda a la gran Moe Tucker y con unas pletóricas guitarras en la onda de The Byrds o de Tom Verlaine de Television. En la cara b de este maxisingle se incluyó “DANCING BAREFOOT”, donde versionean el legendario tema con tendencias acústicas de Patti Smith, otra de las claras influencias de los siempre inconfundibles y recordados Feelies.

martes 10 de marzo de 2009

BELLE AND SEBASTIAN - (1996) Tigermilk

1.The state I am in
2.Expectations
3.She´s losing it
4.You’re just a baby
5.Electronic renaissance
6.I could be dreaming
7.We rule the school
8.My wandering days are over
9.I don’t love anyone
10.Mary Jo

Stuart Murdoch: voces, guitarras y teclados
Stevie Jackson: voces y guitarra
Chris Geddes: teclados
Richard Colburn: batería
Isobel Campbell: voces y cello
Stuart David: bajo

Procedentes de Glasgow, BELLE AND SEBASTIAN, cuyo nombre procede de una novela infantil francesa que fue llevada a la gran pantalla como serie animada y en la que los personajes principales eran el niño Sebastián y su perro Belle, se forman a partir de un proyecto universitario de Stuart Murdoch. Una vez completado el resto de miembros de la banda, publicaron con la discográfica independiente Electric Money su primer álbum titulado “TIGERMILK”, cuya primera edición fue limitada tan solo a mil copias. La profunda sensibilidad de su siguiente trabajo “If you are feeling sinister” y otros ep’s publicados, les dotaron de cierto prestigio y en una especie de boca a boca entre los seguidores de la banda, “Tigermilk” comenzó a ser una pieza codiciada hasta su reedición en 1999 por parte del sello Jeepster Records.

“Tigermilk” posee una música deliciosa para acompañar los momentos tristes, con melodías cargadas de sensibilidad donde descargar el aislamiento, los miedos, las sensaciones de entusiasmo, las incomprensiones o las indiferencias, y donde el pop y el folk van unidos en perfecta sintonía. Dentro de esta obra destacan temas como “THE STATE I AM” donde se relaciona la homosexualidad con las creencias religiosas, “EXPECTATIONS”, bellísima representación del proletariado, “ELECTRONIC RENAISSANCE” con ese toque originalmente electrónico, y los recuerdos de la infancia y la adolescencia de “I COULD BE DREAMING”, “WE RULE THE SCHOOL” y “I DON'T LOVE ANYONE”.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

lunes 9 de marzo de 2009

Otto Preminger - (1955) EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

Título original: The man with the golden arm
Dirección: Otto Preminger
Guión: Walter Newman & Lewis Meltzer
País: EE.UU.
Año: 1955
Género: Drama/Intriga
Reparto: Frank Sinatra, Kim Novak, Eleanor Parker, Arnold Stang, Darren McGavin, Doro Merande, Robert Strauss

Primera película en la historia del cine que se habla de la heroína. Frankie Machine (Frank Sinatra) regresa a casa tras seis meses de prisión por ser un trilero. Allí sufrió mucho con el mono pero vuelve desenganchado y con la ilusión de encontrar trabajo como un gran batería. Al volver, ha de afrontar su culpabilidad y falta de apoyo de su mujer (Eleanor Parker) que está paralítica debido a un accidente en el que conducía Frankie borracho. Y si a esta situación se le añade la falta de dinero o la presión social de los amigos, le conduce nuevamente a volver a las andadas del juego acompañado de la necesidad de nuevos “picos”. Su amante (Kim Novak), con mucho amor y esfuerzo, será la única que podrá ayudarlo a que se desenganche.

La música de jazz del maestro Bermestein abre el film, y acompañará a Frankie y sus pensamientos durante todo el mismo para desembocar en un final espectacular y sorprendente.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

domingo 8 de marzo de 2009

MALEVAJE - (1985) Tangos

1. Confesión
2. Malevaje
3. Mano a mano
4. Si soy así
5. Garufa
6. Mi noche triste
7. A la luz de un candil

Antonio Bartrina: Voz
Ramón Godes: Guitarra
Fernando Gilabert: Contrabajo
Edi Calvo: Percusión
Virginia Diez: Castañuelas y bailarina

Corría el año 1984 y un tal Antonio Bartrina se dedicaba a cantar tangos en las fiestas de sus amigos hasta que uno de ellos, propietario de un local llamado “El Salero”, lo invitó a que actuara allí. Para ello contó con la ayuda de sus amigos Ramón Godes y Fernando Gilabert de Los Coyotes, Edi Clavo de Gabinete Caligari y Virginia Díez, bailarina y coreógrafa, que había pertenecido a Las Hornadas Irritantes Pélvis Turmix.

Pusieron de nombre MALEVAJE al grupo en honor al precioso tango de Gardel y la cosa funcionó. Tuvieron tal éxito que no tardaron en recibir una oferta para grabar este disco de siete canciones y lo hicieron en un solo día. En plena “movida” no tuvieron problema para encontrar un hueco entre el público, lo cual demuestra la capacidad de recepción que tenía la gente por aquel entonces.

Bartrina supo darle a sus temas un toque rockero y castizo pero sin menospreciar las más puras esencias del tango, con versiones de tangos dramáticos como “Confesión” o “A la luz de un candil”, canallescos como “Malevaje”, de desamor como “Mi noche triste”, de golfos sin solución como “Si soy así” o “Garufa” o el clásico entre los clásicos “Mano a mano”. Yo, como Antonio Bartrina, también escuchaba tangos en casa cuando era pequeño. A mis padres les encantaba Carlos Gardel y recuerdo tardes de domingo en casa escuchando unas “placas” (así llamaba mi padre a los discos) antes de salir a pasear por la plaza y tomar unos aperitivos después. Sin duda, eran otros tiempos.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Beblack, nuestro erudito colaborador y comentarista).

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