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viernes, 31 de octubre de 2008

THE DREAM SYNDICATE - (1982) The days of wine and roses

1.. Tell me when it's over
2. Definitely clean
3. That's what you always say
4. Then she remembers
5. Halloween
6. When you smile
7. Until lately
8. Too little, too late
9. The days of wine and roses
  • Steve Wynn (vocals)
  • Karl Precoda (guitar)
  • Dennis Duck (drums)
  • Kendra Smith (bass)

La verdadera esencia del legado velvetiano se mantuvo oculta demasiado tiempo. Tan sólo Jonathan Richman al frente de los Modern Lovers se atrevió en la década de los setenta a recoger el verdadero influjo de la Velvet Underground. Esa rica herencia, salvando cierta influencia en la parte oscura del post-punk de grupos como Joy División, fue reivindicada de forma notoria a principios de la década de los ochenta con la aparición del llamado “Paisley underground” californiano, también conocido en Europa como “Nuevo Rock Americano”.

Así, un buen puñado de interesantes bandas tales como Dream Syndicate, R.E.M., Long Ryders, Violent Femmes, The Feelies, Guadalcanal Diary, The Del Fuegos, Smithereens, etc., con una excelente colección de imprescindibles álbumes, contribuyeron a esa indispensable revalorización del rock underground neoyorkino. Entre esos álbumes destaca el mítico primer álbum de los Dream Syndicate titulado “The days of wine and roses”, auténtica obra maestra e influyente de manera considerable como materia prima pionera de grupos de la década de los 90 tales como Sonic Youth, Jesús & Mary Chain, Radiohead, etc.

En aquellos “días de vino y rosas” también se revitalizó el rock tradicional, se profundizó en la psicodelia y se mantuvo cierta actitud punk a base de tormentosas guitarras y rabiosos misiles eléctricos de larga duración.

En definitiva, la fusión perfecta entre el rock experimental y el tradicional, realizado con una crudeza y una energía incendiaria inusual en aquellos momentos, un álbum en el que a pesar de mantener una línea uniforme destaca “Halloween”, fascinante himno épico muy apropiado para escuchar la víspera del Día de Todos los Santos.

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Ernst Lubitsch - (1942) SER O NO SER

Título original: To be or not to be
Dirección: Ernst Lubistch
Guión:
Edwin Justus Mayer
País:
E.E.U.U.
Año: 1942
Género:
Comedia
Reparto:
Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Stanley Ridges, Lionell Atwill, Sig Ruman, Tom Dugan, Charles Halton, George Lynn.

La película se inicia sorprendentemente con Hitler “invadiendo pacíficamente” las calles de Varsovia, en agosto del 39. Hasta que no pasan unos segundos no te das cuenta que son unos escenarios teatrales de la obra “Gestapo”. La compañía de teatro liderada por la gran actriz Maria Tura (Carole Lombard) y su marido Joseph Tura (Jack Benny) tienen que ceder ante las presiones políticas, y dejar de representar “Gestapo” para realizar “Hamlet”.

La capacidad de los actores para poder fingir personajes hará que puedan interpretar diferentes personalidades (el espía Siletsky, el coronel Erhard). Esta habilidad (mezcla de teatro/vida real), les ayudará para interceptar las listas de los colaboradores de la resistencia, introduciéndose en el cuartel de las S.S, o en otras situaciones cómicas.

En medio de todo ello, un triángulo de celos, unos diálogos brillantes y unas escenas geniales, hacen que esta sátira del nazismo está a la misma altura de películas similares como “El Gran Dictador”, o “Roma, ciudad abierta”.

(Este texto ha sido remitido por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

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jueves, 30 de octubre de 2008

GARCÍN Y M - (2003) Tan fiero, tan frágil

1. Oxido - 2. Lucky bar - 3. Canción de Bela Monte - 4. Puzzle 02 - 5. Yo y yo - 6. No nos vamos a quejar - 7. En un abrazo - 8. 1978 - 9. La costa oeste - 10. Intemperie 1 – 11. Plegaria 709 (en directo) – 12. Arpa de Noé (en directo) – 13. La mejor hora (en directo) – 14. Yo y yo (en directo) – 15. En un abrazo (en directo) – 16. Cajas – 17. Intemperie 2 – 18. Angel mine






  • Fernando Garcín: voz
  • Néstor M: guitarra, armónica
  • Jesús Maestro: bajo
  • Vicente Perelló: batería
  • Maribel Crespo: teclado
  • Raquel G. Fas: voz, coros

No es muy habitual por estas tierras de la vieja Europa toparnos con un estilo tan peculiar como el del escritor, poeta y cantante Fernando Garcín. Sus canciones, a caballo entre el poema recitado y la canción, entre las raíces americanas del blues y del folk, entre sus llamados “poetemas” y las canciones habladas, se podrían incluir dentro del llamado “spoken word” que practicó una bohemia “generación beat” de escritores como Jack Kerouac, contraria al tradicional modus vivendi americano, y que derivaría en nuevas generaciones de músicos tales como Lou Reed o Patti Smith.

En “Tan fiero, tan frágil”, Fernando Garcín fue acompañado por Nestor Mir en la parte compositiva instrumental, lo que le permitió crear atmósferas tiernas e intimistas cercanas a la “chanson francesa” y a referentes tales como Leonard Cohen, Tom Waits, Bob Dylan, Neil Young o los susodichos Lou Reed y Patti Smith, para pequeños garitos con selectos espectadores.

Temas como la introspectiva “En un abrazo”, la hipnótica “1978” o “Yo y yo”, exquisita adaptación del “I and i” de Bob Dylan, deberían tener un reconocimiento popular mucho mayor.



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miércoles, 29 de octubre de 2008

SERRAT - (1984) En directo


1. Introduccion - 2. Sinceramente Tuyo - 3. De vez en Cuando la Vida - 4. La tieta - 5. El titiritero - 6. Tu Nombre me Sabe a Yerba - 7. Cada Loco con su Tema - 8. Algo Personal - 9. Fiesta - 10. Mediterráneo - 11. Penélope - 12. Para la Libertad - 13. Temps era Temps - 14. Cantares - 15. Cambalache - 16. La aristocracia del barrio - 17. Aquellas Pequeñas Cosas - 18. La Saeta - 19. Sería Fantástic0 - 20. Esos Locos Bajitos - 21. Romance de Curro El Palmo - 22. Paraules D'amor - 23. Plany al Mar - 24. Lucia




Existe una tendencia innata errónea en la adolescencia de renuncia de muchas cosas positivas de la infancia. Así, aquellas viejas cintas de cassette de Joan Manuel Serrat que sirvieron de música de fondo en meriendas con sabor a atun y olivas mientras dos chavales jugaban con cromos y chapas de fútbol quedaron en un oscuro rincón del olvido sin ánimo de recuperarse.

Muchos años después, invitado a un concierto de Serrat, uno de esos chavales quedó profundamente conmocionado observando a su diestra y a su siniestra la emoción de seres humanos de distintas generaciones, castellano y catalano parlantes, que coreaban al unísono con pasión desmedida canciones como “Paraules de amor”. Su cerebro recuperó entonces el sentido del olfato de aquel aroma a atún enlatado y la emoción por el coleccionismo y por los juegos infantiles. Al mismo tiempo redescubrió el sentido auditivo con “Penélope”, “Lucía”, “Cantares”, “Fiesta”, “Temps era temps”, “Tu nombre me sabe a hierba”, “El romance del Curro Palmo”, “Mediterráneo”, “Para la libertad”, “El titiritero”, “Helena”, “La aristocracia del barrio”, “Esos locos bajitos”, “No hago otra cosa que pensar en ti”, “Fa vint anys que tinc vint anys,….. Y se sintió mejor.

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martes, 28 de octubre de 2008

JOAQUIN SABINA - (1993) Pastillas para no soñar (cd-single)




1. Pastillas para no soñar






En 1993 Joaquin Sabina se puso la bata blanca de doctor e impartió una instructiva terapia para hipocondríacos, puritanos, aprensivos, maniáticos, engominados, tiquismiquis, escrupulosos, delicados, pejigueros, estrictos y remilgosos, en lo que constituía una singular horda de personajes con aspiraciones de vivir más de cien años. Para ellos repartió unas milagrosas, nutritivas, saludables y reconfortantes “Pastillas para no soñar” que fueron incluidas en el álbum “Física y química” que Sabina publicó en 1992.

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lunes, 27 de octubre de 2008

091 - (1988) La torre de la vela (single)



1. La torre de la vela
2. Música para las penas






  • José Ignacio García Lapido: guitarra
  • "Tacho" González: batería
  • José Antonio García García: voz
  • Ángel Doblas: bajo

Las dos canciones de este single pertenecían al tercer Lp del grupo granadino 091 titulado “Debajo de las piedras”, un álbum con buenas canciones pero con una ampulosa producción que no reflejaba el directo y la garra de este grupo.

Sin embargo, y a pesar de esa producción mediocre o excesivamente comercial según el rasero por el que se mida, “La torre de la vela” es una de las más soberbias composiciones de Jose Ignacio Garcia Lapido, un tema con influencias tanto de pop sesentero español tipo Los Brincos como de sus contemporáneos anglosajones, ideal para escuchar de noche en la carretera, en una casa en ruinas, en un cine de sesión continua, en un billar, en una oficina de empleo haciendo cola o en lo más alto de la torre de la vela.

Este tema cuenta con un par de interesantes versiones realizadas por La Frontera y por la banda valenciana Una Sonrisa Terrible en sendos tributos donde se reivindica y se rinde cumplido homenaje al que ha sido uno de los grupos más serios e interesantes de la historia del pop-rock español.

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domingo, 26 de octubre de 2008

COMITE CISNE - (1986) Balas de tranquilidad (single)




1. Balas de tranquilidad
2. Su árbol





  • Carlos Goñi (voz, guitarra)
  • José Luis Macías (sintetizadores)
  • Remy Carreres (bajo)
  • Rafael Picó (cajas de ritmo y batería)

Después de las intensas “Dulces horas” y “La retirada” de las libertades en la Guerra Civil española, Comité Cisne preparó su arsenal de trallazos afterpunks basados en la satisfactoria conexión de la potente guitarra de Carlos Goñi, el bajo de Remy Carreres y los genuinos teclados de Jose Luis Macías, sonidos vanguardistas muy acordes con los que se realizaban en aquellos momentos por el resto de Europa. Y entre su munición, dispararon a diestro y siniestro unas excelentes “Balas de tranquilidad” que fueron incluidas también en el primer MiniLp de uno de los grupos abanderados de la llamada movida valenciana de la década de los 80.


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sábado, 25 de octubre de 2008

MORCILLO EL BELLACO Y LOS RITMICOS - (1988) Sra. Pura (single)



1. Sra. Pura
2. Así te conocí, Manolo






  • Juan Antonio Morcillo: voz
  • Juan Carlos 'Juanki' Tomás (guitarra)
  • Pedro López Moreno (bajo)
  • Joosan Arrebola (batería)

Entre muchas fantasías eróticas de jóvenes y adolescentes se encuentra el deseo sexual por las maduras madres de amigos que todavía conservan un físico imponente.

Una de esas madres pudo ser la "Señora Pura", lo cual quedó perfectamente reflejado en este single que el castellonense Morcillo al frente de los Rítmicos publicó en 1988, un gran himno de punk-rock garagero con guiños sesenteros perteneciente a la movida independiente española de la década de los ochenta.


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viernes, 24 de octubre de 2008

NACHA POP - (1984) Una décima de segundo (MiniLp)


1. Una décima de segundo
2. Escala real
3. Magia y precisión
4. Pagas caro mi humor
5. Una décima de segundo (Piano bar)




  • Antonio Vega (guitarra, voz)
  • Nacho García Vega (guitarra, voz)
  • Marco Rosa (bajo)
  • Ñete (batería)

Después de “Más números, otras letras” en 1983, Nacha Pop publica en 1984 un MiniLp de cinco canciones donde brillaban con luz propia dos versiones diferentes de “Una décima de segundo”.

Esta canción es una bellísima composición del maestro Antonio Vega donde la geometría, la física, el tiempo, el espacio y el amor se dan la mano en un íntimo encuentro plagado de profundas metáforas. En la excelente versión piano bar participó en los teclados Teo Cardalda, miembro de Golpes Bajos, y después de Complices.

En definitiva, pura poesía realizada por un talento privilegiado, y es que "no hay nada mejor que revolver el tiempo con el café y componer sin guitarra ni papel".

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jueves, 23 de octubre de 2008

RADIO FUTURA - (1984) Semilla negra (Maxi-single)



Maxisingle:
1. Semilla negra (remezcla)
2. Semilla negra (instrumental)








Single:
1. Semilla negra
2. En Portugal





  • Santiago Auserón (voz, guitarra)
  • Enrique Sierra (guitarra, voz)
  • Luis Auserón (bajo, voz)
  • Solrac Velázquez (batería)

La hegemonía de Radio Futura como grupo de pop-rock español de la década de los 80 comenzó a gestarse con su segundo álbum “La ley” en 1984. Como cierre del mismo, se incluía “Semilla negra”, uno de sus temas más legendarios.

Su profunda letra, abierta a diferentes apreciaciones, unida a sus ritmos latinos y caribeños, proyectó la idea de una remezcla que les abriera definitivamente las puertas del éxito internacional. Así, con la ayuda de la guitarra flamenca de Raimundo Amador, el sonido de Radio Futura evolucionaría a partir de este maxisingle hacia el mestizaje.

Existe una versión sublime del grupo Marlango incluida en el tributo “Arde la calle”, y en la que Leonor Watling aporta un insuperable halo intimista y misterioso que le da un aspecto inmensamente genuino.

Este texto está dedicado a la pequeña princesa de mis ojos por la materia que siempre me unirá a ella, y porque cada vez que escucha “Semilla negra” esboza una sonrisa cautivadora y contagiosa.

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miércoles, 22 de octubre de 2008

BURNING - (1978) Que hace una chica como tú en un sitio como este (single)



1. Que hace una chica como tú en un sitio como este
2. Ginebra seca





  • José Casas "Pepe Risi" (voz, guitarra)
  • Enrique Pérez "Quique" (bajo)
  • Antonio Martín "Toño" (voz)
  • Juan Antonio Cifuentes "Johnny" (piano, teclados, voz)
  • Roberto Oltra "Teto" (batería)

Durante el año 1978, en plena transición franquista, el grupo madrileño Burning grababa la canción "Que hace una chica como tú en un sitio como éste", compuesta deliberadamente para la película del mismo título, la que sería el segundo largometraje de la filmografía del director Fernando Colomo y que tendría a Carmen Maura como principal protagonista en el papel de mujer fatal, dentro de un momento histórico de España en el que la liberación e igualdad de derechos de la mujer se topaba con cierto sector retrogrado y machista.

A partir de este momento, “Que hace una chica…” se convertiría en una de las canciones más importantes y exitosas de la llamada “Movida madrileña”, incluyéndose en el álbum que Burning publicó en 1979 titulado “El fin de la década”.

Tanto “Que hace una chica como tú en un sitio como este” como la cara b del single “Ginebra seca”, son dos castizos y canallescos temas sobre corazones solitarios, nocturnos y perdedores, con aroma a tabaco y barra de bar, muy en la onda de Keith Richards en el stoniano “Let it bleed”, de Lou Reed en el "Rock&roll animal" y del maestro Chuck Berry.

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martes, 21 de octubre de 2008

ENCUESTA - Los 70 (10 mejores álbumes)

Durante los primeros veinte días del mes de Octubre del 2008 se ha realizado una encuesta a los lectores del blog de Woody Jagger sobre los 10 mejores álbumes de la década de los 70 entre 20 propuestos. Se recibieron un total de 51 votos con el siguiente resultado:

LED ZEPPELIN - (1971) IV: 28 votos (54%)

THE ROLLING STONES - (1971) Sticky fingers: 26 votos (50%)

LOU REED - (1972) Transformer: 21 votos (41%)

JOY DIVISION - (1979) Unknown pleasures: 20 votos (39%)


T.REX - (1972) The slider: 19 votos (37%)


THE CLASH - (1979) London calling: 19 votos (37%)

AC/DC - (1976) Dirty deeds done dirt cheap: 18 votos (35%)


DAVID BOWIE - (1972) Ziggy stardust: 18 votos (35%)

JONATHAN RICHMAN - (1977) Rock&roll with The Modern Lovers: 17 votos (33%)


10º JANIS JOPLIN - (1971) Pearl: 17 votos (33%)

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lunes, 20 de octubre de 2008

THE GODFATHERS - (1987) Love is dead (Maxi-single)



1. Love is dead (Valentine's day massacre mix)
2. Angela
3. Love is dead
4. Gone to Texas






  • Peter Coyne (vocals)
  • Chris Coyne (bass)
  • Kris Dollimore (guitar)
  • Mike Gibson (guitar)
  • George Mazur (drums)

Cuando el afecto y la pasión están en decadencia, y cuando ellas dicen que el amor está muerto, cabe la posibilidad de realizar una terapia alternativa con el fin de regenerar neuronas cerebrales y equilibrar las palpitaciones del corazón. Esa terapia es muy sencilla y consiste en elevar considerablemente el volumen del reproductor permitiendo que llegue a los oídos una melodía con una consigna provocadoramente desafiante. Se trata de “Love is dead”, una de las canciones más poperas dentro de ese estilo neo-punk obrero y mafioso que caracterizó a los siempre admirados Godfathers.

“Love is dead” es una de las muchas y grandes canciones de una banda con un repertorio extraordinario. Una banda que devolvió a Gran Bretaña la actitud perdida del punk-rock, y que proporcionó a las nuevas generaciones la posibilidad de volver a entusiasmarse por el rock&roll y por el rock de garage.

Esta joya vinílica fue el anticipo en 1987 del fantástico álbum “Birth, school, work, death” que se publicó en 1988, y en ella se incluyó una aniquiladora versión de “Love is dead” dedicada al día de San Valentín (fecha histórica de esta banda en la que acostumbran a realizar su indispensable y ya tradicional concierto anual en Londres), y en la que ese estribillo “she said, love’s dead” suena de forma demoledora. Además, se incluye “Angela”, composición inédita muy en la onda de Los Padrinos, y “Gone to Texas”, un extraordinario tema instrumental que a base de guitarras, trompetas, alaridos y un ritmo desenfrenado podría recrear ficticias escenas del viejo Oeste, e incluso podría incluirse perfectamente en alguna de las películas míticas de Quentin Tarantino.

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domingo, 19 de octubre de 2008

THE GEORGIA SATELLITES - (1988) Hippy hippy shake (single)




1. Hippy hippy shake
2. Hand to mouth





  • Dan Baird (guitar, vocals)
  • Rick Richards (guitar, vocals)
  • Rick Price (bass, vocals)
  • Mauro Magelian (drums)

Los Georgia Satellites, grandes representantes del mejor boggie rock sureño con sabor a motel de carretera, alcanzaban el cénit de su imprescindible discografía con la publicación en 1988 del single “Hippy hippy shake”, el cual no se incluyó en el álbum “Open all night” del mismo año. El tema en cuestión era una excelente revisión del clásico de los sesenta que realizaron los Swinging Blue Jeans.

Lo peor de esta canción fue que formara parte de la banda sonora de “Cocktail”, una de tantas películas lamentables de la historia del cine americano contemporáneo.

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MARTIN SCORSESE - (1978) The last waltz

Título original: The Last Waltz
Dirección: Martin Scorsese
Guión: Martin Scorsese
País: E.E.U.U.

Año: 1978
Género: Musical, Documental
Música: The Band
Reparto: Bob Dylan, Van Morrison, Neil Young, Joni Mitchell, Neil Diamond, Eric Clapton, Paul Butterfield, Rick Danko, Dr. John, Lawrence Ferlinghetti, Emmylou Harris, Ronnie Hawkins





"The last waltz" o "El último vals" tal y como se le conoció en España, es un documental grabado por Scorcese del último concierto del grupo The Band con todos sus miembros originales el día de acción de gracias del año 1976.

The Band es un grupo canadiense mítico en la historia del rock americano. Fue la banda que acompañó a Dylan en la emblemática gira de los años 1965 y 1966 y en la de 1974, además de colaborar con él en la grabación del disco "Planet Waves".

En este documental se recogen entrevistas con los miembros de The Band y el concierto entero de despedida donde compartieron escenario con gente con la que habían colaborado tal como Ronnie Hawkins, Neil Diamond, Neil Young, Joni Mitchell, Muddy Waters, Dr.John, Bob Dylan, Van Morrison (no se puede quedar uno sin ver esta actuación, es genial), Ringo Starr, Ron Wood, Eric Clapton, la cantante de country Emmylou Harris y el grupo de gospel The Staple Singers. Como podéis comprobar la flor y nata de la música que sonaba en aquellos años. Además de la película se publicó un triple Lp con todo el concierto grabado, el cual debería estar obligatoriamente en la discoteca personal de cada uno.

(Este texto ha sido remitido por Voro, uno de nuestros grandes amigos y colaboradores en la Tierra).

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viernes, 17 de octubre de 2008

THE SOUND - (1981) From the lions mouth

1. Winning
2. Sense Of Purpose
3. Contact The Fact
4. Skeletons
5. Judgement
6. Fatal Flaw
7. Possession
8. Fire
9. Silent Air
10. New Dark Age

  • Adrian Borland (vocals, guitar)
  • Graham Bailey (bass guitar)
  • Colvin "Max" Mayers (keyboards)
  • Michael Dudley (drums)

¿Cuántos años, lustros o décadas tienen que pasar para que la banda de Adrian Borland tenga un justo reconocimiento? Y es que respecto al post-punk, no sólo debería vivir el hombre de Joy División, de los primeros U2 y de Echo & The Bunnymen.

La sombra de esos grupos en aquella época era demasiado alargada, no permitiendo que grupos imprescindibles de la valía de The Sound o The Chameleons llegasen a lo más alto. En The Sound por ejemplo, no existía un cantante suicida como Ian Curtis (aunque a largo plazo Adrian Borland seguiría los mismos pasos en la vía de un tren) ni un cantante con imagen carismática como Bono o Ian McCulloch. Así, The Sound se convertiría de esta forma en un grupo de culto, maldito e infravalorado, donde el dramatismo vocal, las guitarras intensas y sugestivas y los hipnóticos teclados generaban atmósferas de ensueño, al alcance de unos pocos seguidores acérrimos.

Su segundo álbum titulado “From the lion’s mouth” es una obra maestra donde no existe ni un solo instante de desperdicio. Si “Winning” es desgarradora, “Sense of purpose” es melancólicamente armoniosa. Si “Contact the Fact” te atemoriza, “Skeletons” te machaca. Si “Judgement” aporta sosiego, “Fatal flaw” y "Possession" demuestran nervio y actitud. Si “The fire” aporta crudeza punk, “Silent air” es una de las canciones más bellas, épicas e intensas de la década de los 80. Y como colofón final "New dark age", un tema que retrataba aquella nueva oscura generación, directamente preparada para ser devorada por las fauces de los leones más carnívoros.


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jueves, 16 de octubre de 2008

THE CURE - (1984) Concert (live)

1. Shake Dog Shake
2. Primary
3. Charlotte Sometimes
4. The Hanging Garden
5. Give Me It
6. The Walk
7. One Hundred Years
8. A Forest
9. 10:15 Saturday Night
10. Killing an Arab

  • Robert Smith (vocals, guitar)
  • Porl Thompson (guitar, keyboards, saxophone)
  • Laurence Tolhurst (keyboards)
  • Andy Anderson (drums)
  • Phil Thornalley (bass)

Algunos de los temas que los Cure tocaron en los conciertos de mayo de 1984 en Oxford y Londres durante la gira promocional del álbum "The Top", se inmortalizarían en el primer directo oficial de la banda de Robert Smith.

Así, de lo poco que se podía salvar del mediocre y antes mencionado "The top", se incluyeron "Shake dog shake" y "Give me it". También, una revisión más acorde con su estilo del hit discotequero "The walk". Del oscuro y taciturno "Pornography" dejarían patente una intensidad épica con "One hundred years" y "The hanging garden". Del tétrico y tormentoso "Faith" se incluiría la menos tenebrosa, esa fantástica "Primary". Además, la inclusión de "Charlotte sometimes" permitió conocer más ampliamente una de las rarezas inéditas publicadas en formato single de The Cure. Del frío y experimental "Seventeen seconds" se recogería "A forest" en una psicodélica versión que se convertiría a posteriori en la joya del siniestro afterpunk. Finalmente, para cerrar este álbum "10:15 Saturday night" y "Killing an arab", los dos temas de su primer single con aquel primerizo powerpop característico.

En definitiva, en "Concert - The Cure Live" se recogían las mayores virtudes del primer y más interesante período de una de las bandas más exitosas de la década de los 80. Se echa de menos la inclusión de temas tan sugerentes como "A strange day", "The caterpillar" o "Jumping someone else's train".

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miércoles, 15 de octubre de 2008

ECHO AND THE BUNNYMEN - (1981) Heaven up here

1. Show of strenght
2. Whit a hip
3. Over the wall
4. It was a pleasure
5. A promise
6. Heaven up here
7. The disease
8. All my colours
9. No dark things
10. Turqoise days
11. All i want

  • Ian McCulloch (vocals, guitar)
  • Will Sergeant (guitar)
  • Les Pattinson (bass)
  • Pete de Freitas (drums)
Siempre me llamó especialmente la atención aquella portada del “Heaven up here”. En un cielo nublado, una manada de gaviotas busca la luz del sol en el horizonte. En primer plano, cuatro oscuras siluetas en la playa permanecen estáticas mirando dicha luz. Aquel amanecer no era una simple pose, había algo más que una bella postal. Definía a la perfección el contenido de la obra maestra de los Echo & The Bunnymen.

En “Heaven up here” existe una intensidad que roza lo épico y una homogeneidad inusual en la música de los ochenta. Este segundo álbum de Echo y los Hombres Conejo es su trabajo más desconocido, y a mi juicio uno de los mejores discos de su década.

Luz y oscuridad se dan la mano en atmósferas excitantes y sugestivas, angustia y euforia se unen en el límite a través de cuarenta minutos apasionantes. Densas líneas de bajo, guitarras repletas de penumbra, ritmos cambiantes con redobles que golpean el alma y el corazón y que se convierten en los más dignos acompañantes de las espectaculares dotes vocálicas de Ian McCulloch, generando incluso extraordinarias escenas in crescendo. El post-punk, en su vertiente de pop oscuro e introspectivo había alcanzado la cima.

Así, geniales canciones que jamás podrían haber llegado a lo más alto de las listas de éxitos tales como “Show of strenght”, “Over the wall” o “All i want”, convivían con temas siniestramente bellos como “The disease” o “All my colours”, y con pegadizos estribillos como los de “A promise”, los cuales marcarían las pautas de posteriores trabajos de la banda más famosa de Liverpool después de los Beatles, pautas que contenían elementos variados, desde los Doors a la Velvet Underground en una perspectiva muy personal. Y ahora, voy a depositar con sumo cuidado este vinilo en su lugar correspondiente.

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martes, 14 de octubre de 2008

DR. FEELGOOD - (1987) Hunting, shooting, fishing (Maxi-single)



1. Hunting, shooting, fishing
2. Big enough
3. Don't understimate your enemy





  • Lee Brilleaux (vocals, harmonica)
  • Gordon Russell (guitar)
  • Phil Mitchell (bass)
  • Kevin Morris (drums)
A pesar de que no pertenece a ese brillante período inicial que siempre invocan mis amigos Voro y Macano en el que la energía guitarrera de Wilko Johnson dotaba a Dr.Feelgood de una fuerza descomunal siguiendo las directrices marcadas por clásicos como Bo Diddley, el tema “Hunting, shooting, fishing”, publicado en 1987 y perteciente a su álbum “Classic”, no mira atrás, tal y como reza su estribillo, pero mantiene ese rhythm&blues anfetamínico, garagero y rudo, digno de uno de los grupos más interesantes de las últimas décadas.

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lunes, 13 de octubre de 2008

PIXIES - (1989) Here comes your man (Maxisingle)



1. Here comes your man
2. Into the white
3. Wave of mutilation (UK surf)
4. Bailey's walk




  • Black Francis: voz, guitarras
  • Joey Santiago: guitarras
  • Kim Deal: bajo, voz
  • David Lovering: batería

Con carácter subjetivo hay más de una docena de canciones de los Pixies que me gustan más que “Here comes your man”, tema incluido en el venerado álbum “Doolittle” de 1989. Sin embargo creo que merece un buen reconocimiento, ya que la canción mas popera de los imprescindibles duendes malévolos del rock, con ese irresistible riff de guitarra y esos guiños habituales de surf y punk-rock, se convirtió en una especie de gran himno generacional hasta el punto de conseguir traspasar las fronteras del indie-pop alternativo. Ha sido versioneada de forma notable por grupos del calibre de Teenage Fanclub o Sexy Sadie.

Además, en este vinilo aparecía una nueva y estupenda lectura en cámara lenta de la surfeña “Wave of mutilation”, así como dos excelentes temas no incluidos en “Doolittle” tales como “Bailey’s walk” y la deliciosa “Into the white”, donde el bajo y la voz de Kim Deal adquieren especial protagonismo.

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domingo, 12 de octubre de 2008

NADA SURF - (2003) Hi-speed soul (cd-single)


1. Hi-speed soul
2. End credits
3. 80 windows
4. Run





  • Matthew Caws: guitarra y voz
  • Daniel Lorca: bajo y voz
  • Ira Elliot: batería y voz

La trayectoria de Nada Surf parecía estancarse desde que en 1996 publicaran el tema “Popular”. Es a partir del álbum “Let go” en el 2002 cuando Nada Surf comienza a asentarse, valorándosela como una banda a tener en cuenta para liderar el pop independiente y el rock alternativo.

En el aclamado “Let go” se incluían estupendas y enérgicas joyas de power pop tales como “Hi-speed soul”, un tema con un prodigioso riff de guitarra que en un momento determinado podría poner a bailar al más tímido, y en el que se lograba el injerto perfecto de referentes tales como Pixies o Weezer con soberbias armonías vocales y pegadizos estribillos a lo Byrds o Teenage Fanclub, así como claras influencias ochenteras, especialmente a nivel rítimico de los New Order y en la innovadora utilización de teclados, donde se rememoran atmósferas de oscuras bandas como los Chameleons, Joy División, The Cure, e incluso en algún instante concreto recuerdan los sintetizadores de The Bolshoi. Como consejo, añadir que es imprescindible escuchar este tema a gran volumen.

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sábado, 11 de octubre de 2008

FRANZ FERDINAND - (2004) Franz Ferdinand

1.Jacqueline
2.Tell her tonight
3.Take me out
4.The dark of Matinée
5.Auf Achse
6.Cheating on you
7.This fire
8. Darts of pleasure
9.Michael
10.Come on home
11.”40”


  • Alex Kapranos: voz principal, guitarra y teclados
  • Bob Hardy: bajo
  • Nick McCarthy: guitarra, teclados, coros
  • Paul Thomson: batería, percusión, coros

Grupo revelación en el 2004. Son de Glasgow y sólo tienen dos albumes en la actualidad. Sus estadísticas despuntan. Con el primer sencillo “Darts of pleasure” ya tuvieron mucho éxito. El segundo, “Take me out”, llegó al tercer puesto en las listas inglesas. Se ganan con este álbum homónimo el Mercury Music Prize en el 2004. No hay que restarle importancia a canciones como “This fire”, “The dark of matinée” o “Michael”.

Han tenido una muy buena respuesta del público. Es posible que Franz Ferdinand sean los nuevos Rolling, Beatles, Who, Sex Pistols o Roxy Music. Son la pieza que faltaba en el panorama actual de la música.

El álbum, de sólo 38 minutos es una obra maestra que no deja a nadie indiferente. El segundo álbum, en el 2005 incluso es mejor, y esperan sacar el tercero para enero del 2009. Esperamos con ansiedad!!!.

Es un rock suave y fresco, con muchos cambios de sonido dentro de las mismas canciones y dónde de manera brillante conjugan con unos videos y puesta en escena muy vanguardista. El pedazo de video “Take me out” tiene connotaciones dadaístas, o incluso de la escuela de la bauhaus.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

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jueves, 9 de octubre de 2008

Franc Roddam - (1979) QUADROPHENIA

Título original: Quadrophenia
Dirección:
Franc Roddam
Guión: Dave Humphries, Franc Roddam, Martin Stellman, Pete Townshend
País:
Reino Unido
Año:1979
Género: Musical-Documental
Reparto: Phil Daniels, Leslie Ash, Philip Davis, Mark Wingett, Sting, Ray Winstone Gary Cooper, Gary Salí.


Con “Tommy”, los Who no se quedaron satisfechos por el resultado, con lo que decidieron fundar su propia productora, “The Who films” y grabar esta cinta, en plena fiebre de las películas musicales, escogiendo como director a alguien inexperto, Franc Roddam que la convirtió en una de las películas de culto al ser su mayor ópera prima.

Se narra la historia de Jimmy, interpretada por Phil Daniels, un joven mod que está buscando su propio yo, entremezclada por las luchas entre las bandas de los rockers, y los mods. Basada en la ópera rock "Quadrophenia" del 73 de los Who.

Los mods eran un grupo que solían ir a la moda, bien vestidos, con dinero para comprar anfetaminas (pastillas azules, púrpura), hacían fiestas, escuchaban inicialmente el rythm&blues, y llevaban scooters italianas (vespa o lambretta) llenas de espejos y adornos. La banda que representó el movimiento Mod eran los Who, siendo “My generation” su himno, aunque sus miembros negaron pertenecer a los Mods. Por el contrario, los rockers, escuchaban rock de los 50, vestían camperas y botas de cuero, llevando unas motos más grandes y clásicas.

El esquizofrénco Jimmy sólo encuentra sentido a su vida siendo parte de los Mods, (“yo no quiero ser igual que cualquier otro, por eso soy un mod, ¿te enteras?”) y estando con sus amigos Dave, Chalky y Spider. Está harto de sus padres, de su trabajo en la agencia de publicidad. Desafortudanamente un viejo amigo de la infancia, Kevin es rocker, y eso le crea incertidumbres. Deciden irse a la ciudad costera de Brighton, donde se librará una batalla de violencia entre rockers y mods. Allí parece encontrarse a sí mismo: relación con Steph, conoce al “As de Oros” (un jovencísimo Sting) cuando los detienen y se vuelve popular frente a sus amigos. Después de lo de Brighton, comienza una espiral de decadencia: su novia le ignora y se va con su mejor amigo Dave, que posteriormente tienen una pelea; su madre le encuentra un alijo de anfetas, con lo que se va de casa; la ausencia en el trabajo hace que se autodespida; un accidente de tráfico con un camión de correos le destroza su Lambretta. Tras esto, decide ir a Brighton a recuperar su pasado y descubrir el vacío que le envuelve. Allí descubre que su ídolo “as de oros”, es en realidad el botones de un hotel. Así que decepcionado y furioso decide robar su Vespa y en un apoteósico final salta al vacío en un precipicio.

Cuenta con una banda sonora excepcional, en la que además de multitud de temas de los Who, aparecen James Brown, The Kingsmen, The Crystals, The Supremes, Marvin Gaye, etc.

(Este texto ha sido remitido por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista)

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miércoles, 8 de octubre de 2008

LOS SALVAJES - (1965) Satisfacción (Ep)


1. Se llama María
2. Wooly Bully
3. Satisfacción
4. Ya te tengo






  • Gabriel “Gaby” Alegret: voz
  • Andrés “Andy” González: guitarra solista
  • Francisco Miralles: guitarra rítmica
  • Sebastián Sospedra: bajo
  • Delfín Fernández: batería

En la década de los sesenta hubieron dos corrientes que crearían escuela: la de los Beatles y la de los Stones. Desde Barcelona, Los Salvajes se decantaron claramente por la segunda opción. Así, el primer homenaje de Los Salvajes a los Rolling Stones fue la adaptación al castellano de la legendaria “Satisfacción” en 1965. Un año después también revisarían en el idioma de Cervantes temas como “Paint it black” y “19th nervous breakdown”.

Asimismo, la que fue para muchos la mejor banda de rock española sesentera, con ese característico rhythm&blues garagero y esas potentes guitarras, revisaría también con especial acierto el tema del italiano Pino Donaggio titulado “Se llama María”, así como “Wooly Bully” de Sam The Sham & The Pharaohs, y “I got you babe” de Sonny & Cher, adaptada al castellano como “Ya te tengo”.


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martes, 7 de octubre de 2008

LOS BRAVOS - (1966) Black is black (single)



1. Black is black
2. I want a name






  • Mike Kennedy (voz)
  • Antonio Martínez (guitarra solista)
  • Manuel Fernández (órgano)
  • Miguel Vicents (bajo)
  • Pablo Sanheli (batería)

Pocos meses después de que los Rolling Stones lo vieran todo negro con “Paint it black", la maquinaria de la industria discográfica se pondría manos a la obra y dejaría todo preparado para que Los Bravos conquistaran el mundo y se convirtieran en la banda española de la década de los sesenta con más repercusión internacional. De esta forma, el color negro volvería a tener una especial relevancia en el verano de 1966 con “Black is black”, que después de la cansina “Macarena” de Los del Rio, continúa siendo el mayor éxito español fuera de nuestras fronteras.

Con un exquisito riff de guitarra, y emulando el beat británico y el rythm&blues blanco que se practicaba en Estados Unidos, su pegadizo estribillo sería tarareado hasta la saciedad por una generación ávida de nuevas sensaciones que encontró en esa desesperada canción de amor el himno de su vida.

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lunes, 6 de octubre de 2008

LOS CANARIOS - (1968) Get on your knees (single)



1. Get on your knees

2. Trying so hard





  • Teddy Bautista (cantante, armónica, guitarra de ritmo)
  • Germán Perez (guitarra solista)
  • Álvaro Yebenes (bajo)
  • Tato Luzardo (batería)
  • Feliciano "Nano" Muñoz (trompeta)
  • Alfredo Maiquez (trombón)
  • Vicente Maiquez (saxo)
  • Graham Bircumshaw (órgano)

Empezaron llamándose “Los Idolos” pero, al viajar a los Estados Unidos a mediados de los sesenta, se cambiaron el nombre por “The Canaries”. Allí grabarían su primer LP “Flying high with the canaries”. A su vuelta a España en 1966 castellanizaron su nombre y se fueron a Londres para grabar su primer single “Three, two, one ah!”, que pasó sin pena ni gloria en España gracias a una inexistente promoción y a una nefasta distribución.

En 1967 grabaron “The incredible Miss Perryman” para la película “Peppermint Frappé”, de Carlos Saura. Pero el mayor éxito lo conseguirían con “Get on your knees”, grabado en Londres y producido por Alain Milhaud, convirtiéndose en la canción del verano de 1968. El tema colapsó todas las emisoras de radio de España y también fue un rotundo éxito en Radio Luxemburgo, que por entonces dictaba los movimientos de la música pop en Europa.

El tema narra, solapadamente, las incidencias de una felación, jugando con el doble sentido de arrodillarse para rezar, y les abrió definitivamente las puertas del éxito.

P.D. : De futuros comportamientos de Teddy Bautista prefiero no comentar.

(Este texto ha sido remitido para su publicación por Beblack, nuestro erudito colaborador y comentarista).
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domingo, 5 de octubre de 2008

FERNANDO LEON DE ARANOA - (2002) Los lunes al sol

Título original: Los lunes al sol
Dirección: Fernando León de Aranoa
Guión: Fernando León de Aranoa e Ignacio del Moral
País: España
Año: 2002
Género: Drama
Reparto: Javier Bardem, Luis Tossar, Jose Angel Egido, Nieve de Medina, Enrique Villén, Celso Bugallo, Joaquín Climent, Aida Folch, Fernando Tejero, Laura Domínguez.





Película que narra de manera muy realista la situación en paro de unos ex-trabajadores de astilleros situados en Gijón, debido a la reconversión industrial. A ello se le añade el agravante de la dificultad de conseguir un nuevo puesto de trabajo debido a una edad elevada (40 años) y la falta de experiencia en otros sectores.

Que yo recuerde, es la única película en la que se habla de la situación del parado (no tanto del despido, sino de lo que pasa después). Así, se ven reflejados sus miedos, inquietudes, inseguridades, la situación familiar, el paso del tiempo, la vida, etc. Todo ello, capitaneado por Santa (Javier Bardem), que de una manera muy fidedigna consigue involucrar al espectador en algún momento de sus vidas.

Aunque la obra es de muy marcado carácter social, tiene unos gags muy irónicos (por ejemplo, la anécdota del cuento), que permiten unas risotadas en ese ambiente de dramática tensión. Este “puntito de buen rollito” para mí es de mucho agradecer.

(Este texto ha sido remitido por Vinti, nuestra intensa colaboradora y comentarista).

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TERRY GILLIAM - (1998) Miedo y asco en Las Vegas

Título original: Fear and loathing in Las Vegas
Dirección: Terry Gilliam
Guión: Tod Davies, Tony Grisoni, Alex Cox y Terry Gilliam
País: E.E.U.U.
Año: 1998
Género: Comedia
Reparto: Johnny Depp, Benicio Del Toro, Ellen Barkin, Gary Busey, Cameron Díaz, Tobey Maguire, Christina Ricci.






Si habéis leído el libro de Hunter S. Thompson os figuraréis que trasladar esta locura psicotrópica al cine era una tarea ardua. Tenía que ser un director como Terry Gilliam el que se atreviera con ello con su particular sentido del humor. El film podrá gustar o no pero, sin duda, se aleja del convencionalismo sin importar su viabilidad comercial.

La "historia", si puede llamarse así, sigue el “viaje” (literal y figuradamente) de un reportero y su abogado samoano que son enviados a Las Vegas para realizar la crónica de la Mint 400, una carrera de motos a través del desierto; más tarde, el reportero se quedará en Las Vegas para cubrir una convención de "sheriffs" que están luchando contra el tráfico y consumo de drogas en sus respectivos pueblos. Estos hechos, sin embargo, no tienen realmente importancia, pues ambos personajes se encuentran en un frenesí de abuso de drogas y alcohol tan violento (en el maletero del coche llevan una maleta repleta de todo tipo de alucinógenos) que hace que todo pase a segundo plano.

La película no sigue una línea coherente sino que se transforma en una serie continuada de retazos donde se muestra la alterada visión de sus personajes en las diferentes situaciones con que se van encontrando. La visita a un casino, bastante surrealista estando sobrio, se convierte en un pasaje del mísmisimo infierno de Dante. La mayor parte del diálogo en la película se da en forma de narración, lo cual nos permite “oír” los pensamientos del reportero en su alucinante recorrido.

En resumen, un intento de cambiar el sueño americano por la pesadilla americana. El título original de la novela es “Miedo y asco en Las Vegas: Un viaje salvaje al corazón del sueño americano.”

(Este texto ha sido remitido por Beblack, uno de nuestros grandes amigos y colaboradores terrestres)


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sábado, 4 de octubre de 2008

JOHN LANDIS - (1980) Granujas a todo ritmo

Título original: The Blues Brothers
Dirección: John Landis
Guión: John Landis & Dan Aykroyd
País: E.E.U.U.
Año:
1980
Género: Comedia, musical
Reparto:
Dan Aykroyd, John Belushi, Henry Gibson, Carrie Fisher, James Brown, Kathleen Foreman.


Dan Aykroyd y John Belushi consiguieron en los años 70 dar vida a un grupo de blues llamado The Blues Brothers. Gracias a sus apariciones en el programa de televisión "Saturday night live" se hicieron famosos en toda América, y a partir de ahí comenzaron las giras y eventos con miles de espectadores.

Consiguieron abrirse paso entre la música disco de los 70 para hacer resurgir de nuevo la música negra. Así, viendo el éxito que la banda estaba teniendo, se propusieron realizar este film en el que se mezcla humor, acción, problemáticas sociales, frases geniales, y sobre todo música, una música negra hecha por blancos: blues del bueno. En definitiva, una película para pasar un rato divertido y disfrutar con la música. Casi todos los críticos de la época la valoraron como muy buena

Además cuenta con las colaboraciones de James Brown, Cab Calloway, Ray Charles o Aretha Franklin. Las actuaciones tanto en la iglesia como en los diferentes locales que actuan son brutales. Hay blues y soul por todos los rincones. Y cuando acaba la película, el siguiente paso es buscar rápidamente la B.S.O. para escucharla de nuevo porque no tiene desperdicio.

(Este texto ha sido remitido por Voro, uno de nuestros grandes amigos y colaboradores terrestres).



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viernes, 3 de octubre de 2008

MINK DEVILLE - (1982) Stand by me (single)



1. Stand by me
2. Harlem nocturne






  • Willy DeVille (vocals, guitar)
  • Louis Erlanger (guitar, vocals)
  • Rick Borgia (guitar)
  • Kenny Margolis (keyboards)
  • Joey Vasta (bass)
  • Thommy Price (drums)

A lo largo de la historia, muchos fueron los que quedaron seducidos por "Stand by me", aquella canción que en 1961 publicara Ben E.King. Desde Adriano Celentano a Otis Redding, de los Searchers a John Lennon, de la Orquesta Mondragón a Bruno Lomas, etc., etc.

Pero probablemente, el que más se apropió de ella fue Willy DeVille, quien desde la primera edición de este single en 1982 la utilizaría sistemáticamente como broche final en la mayoría de sus conciertos, hasta el punto de grabar una intensa versión en directo como cara b de “Miracle”, maxisingle publicado en 1987.

En la cara b de este single, Mink DeVille repasaba aquella joya clásica del jazz titulada “Harlem nocturne” y compuesta por Earle Hagen.

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jueves, 2 de octubre de 2008

R.E.M. - (1984) S.Central rain (i'm sorry) (maxi-single)

Single:
1. S.Central rain (i'm sorry)
2. King of the road

Maxisingle:
1. S.Central rain (i'm sorry)
2. Voice of Harold
3. Pale blue eyes


  • Michael Stipe (vocals)
  • Peter Buck (guitar)
  • Mike Mills (bass)
  • Bill Berry (drums)
Del segundo álbum de los R.E.M., publicado en 1984 y titulado “Reckoning” se extraería como single “Southern Central rain (i’m sorry)”, un tema de folk-rock con influencias de los Byrds, aclamado por la crítica especializada y en circuitos independientes. A partir de ese momento se convertirían en el grupo abanderado del llamado “nuevo rock americano” de la década de los 80.

En la cara b del single recuperarían de forma muy acertada “King of the road”, clásico country original de Roger Miller en 1965. Asimismo, en el maxisingle rendirían tributo a la Velvet Underground con “Pale blue eyes”, una de las baladas más bellas de la mítica banda neoyorkina. Estos dos temas, junto a "Voice of Harold" formarían parte del estupendo recopilatorio de rarezas y caras b de los R.E.M. titulado "Dead letter office" y publicado en 1987.
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miércoles, 1 de octubre de 2008

THE WATERBOYS - (1993) The return of pan (cd-single)


1. The return of pan
2. Karma
3. Mister Powers
4. The return of pan (demo)





  • Mike Scott: Vocals, Guitars, Keyboards.
  • Chris Bruce: Lead Guitar
  • Carla Azar: Drums
  • Scott Thunes: Bass
  • Bajiri Johnson: Rattles, Shakers, Congas
  • George Stathos: Greek Clarinet

En un Lp tan irregular e intrascendente como “Dream harder” se antojaba difícil que Mike Scott no incluyera alguna joya que rubricara su enorme talento compositivo. Y entre lo poco que se podía salvar del mismo se encontraba la maravillosa “The return of pan”, donde dejaba la senda del folk y retomaba aquel rock épico del período post-punk devolviéndonos la intensidad de “The pan within” y “This is the sea”, el período más brillante de los siempre admirados Waterboys.

A partir de ese momento Mike Scott haría un breve paréntesis en la trayectoria de los Waterboys como grupo para darle mayor énfasis a su carrera artística en solitario, publicando un par de álbumes.

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